【广告传媒】摄影构图学（共57页）.doc

摄影构图学 原 序在视觉艺术的语汇中，恐怕没有比”构图”这个词更使摄影人员望而生畏的了。学习摄影和学习绘画不尽相同。学习绘画的人在学习素描、画法和画画设计的同时就在学习构图，而摄影人员则是首先把注意力焦中在掌握相机、用光和冲洗上面。他们只有在能够准确调焦、正确曝光、掌握胶卷和相纸的性能，并能掌握冲洗的技术和技巧之后，才有时间来考虑构图问题。尽管如此，他们都早已不断地从更有经验的摄影人员那里听到，并从摄影出版物中看到”构图”这个名词了。因此，当摄影者开始对构图方面的文献转入认真研究的时候，他们对于自己在这方面的欠缺是不无顾虑的。然而，很多论述构图的文章与著作却只能使原有的顾虑加重一层。因为它们的论述方法不外乎是下述种种：一作都从分析古代著名画家的作品出发，引伸出以金字塔式角锥形、S形曲线、对角线、L形等为基础的一系列大大简化了的公式化模式。这些东西不论和当代摄影作品的面貌，还是我们所看到的周围世界，可以说都是毫不相关的。这种指导是学究式的。当摄影者必须从面对着的一片杂乱无章的细节中挑选出的主题，但又感到无计可施的时候，这种指导是没有任何帮助的。因为这种模式的局限性太大了，它恐怕更适用于文艺复兴时期和巴罗克艺术风格时期的绘画，却不适用于今天的摄影或绘画。二把题材有趣、构图巧妙的照片发表出来，并附上摄影者拍摄过程的详尽说明。这实际上是在鼓励读者跑到同样或相似的拍摄地点去，按照原作的拍摄条件重演一遍，求得和原作相同的拍摄效果，然而，这种盲目的模仿是极其有害的。三著作家用图解的方法来分析优秀构图中的点、线、面，而这些东西对照片本身往往没有什么关系；它们只不过对分析者本人有意义罢了。遗憾的是，这种分析方法在读者身上产生出的最明显的效果竟是对分析者超乎寻常的尊敬和羡慕。在初学者的眼里，这些看不懂的图解就像是一套魔术，只有少数有幸具有某种妙诀的特殊人才才能表演。而这些妙却一条没有传授给读者。四由注重心理学的艺术家来介绍和分析图象的视觉结构，然后又应用到形式和空间问题上。这些当然是非常之好的，不过，它们只是为那些高水平的艺术家服务的，他们熟悉完形心理学用语，而且在长期的研究和实践中已经掌握了设计工作的要点。有一种人在构图学名词方面很有学问，而在构图的内容和实践方面则很少造诣，如果对摄影构图求知心切的人听了他们的夸夸其谈，就只能更加灰心丧气。所有这些办法、效果都不好。因为任何一个人，只要肯下功夫，几乎都能把构图的理论和本领学到手。大部分知识都是从理性的、易于理解的原理得来，而这些原理通常都已经直觉地认识到了。在学习过程中，人们不禁会感到关于构图形式的研究，不过是对长期以来已经不自觉地领悟到的知识，作出明确的解释而已。和图片打交道，并经过一段时期体验的人，只要有了前进的信心、预期的目标和评价构图的标准，是可以通过正常的推理来解决他所遇到的问题的。本书的目的，是考察在摄影中对艺术创造起作用的那些要素和原理。为此，我们逐个探讨了它们的性质，它们在视觉作用中的某些特征，并说明了如何把这些特征在摄影艺术中加以运用。我们相信，深刻认识这些特性，能够加强我们对周围世界的敏感性。在理解了形状、线条和质感的概念，懂得了它们在对比和节奏方面的相互作用之后，我们对自然界的观察才更敏锐。只有在深受一种艺术力量的熏陶之后，我们才能充分地意识到它的存在，甚至在它部分地隐藏或伪装起来的时候，我们仍然可以感觉到它。有了这种意识，我们能认识到那些缺乏素养的人无法认识的东西；有了这种意识，我们对生活中看到的东西，以及对于别人抒发生活意义的作品，都会产生更强烈的感受。强烈的感受能力，常常有助于探索拍摄对象的外在形象和内在品质。在处理外在形象时，富于创造性的人们在拍摄对象的外形上能够发现一般人难以发现的特点、美点和情趣。对于拍摄对象的内在品质，则着意于挖掘和刻划那些深藏着未被认识的内在感情，而不局限于清楚再现景物的形象。每个艺术家都力求用一种前所未有的方式来表现他对于某种情景的个人感受。研究摄影构图，当然也可以采取分析整个照片的方法。然而，根据我们的体会，如果对有关要素和原理缺乏深刻的理解，这种分析也是徒劳的。要求一个缺乏洞察力的人去说明一幅照片的成功所在，就好比要求他去发现自然界中那些值得拍摄的主题，几乎是同样困难的。因此，我们在本书中的探讨是带有综合性的。在每一章中，我们先讨论构图的某一要素，然后把它直接运用于整个照片中，并讨论它和前面学过的内容之间的关系。我们相信，当读者理解了每一要素和原理在构图中的作用以后，就会对所发现的任何主题都能有所感受，并且能够以构图的手段来表达自己的这种感受。本·克莱门茨大卫·罗森菲尔德第一章 艺术和摄影摄影，已经成熟了，而且已经成为了一门艺术。这一提法，不免会引起那些纯粹派艺术家的反对，他们会认为这各实际不符，至少言过其实了。他们说，摄影是机器的产物，而艺术是人和机器毫不相干的。他们说：艺术是人类对生活所产生的感情反映在视觉上的一种表现形式，而机器却毫无感情可言。只有获得充分的自由，对题材进行改变、组织、扬弃和鉴别，从而形成一个全新的形象的时候，才能产生艺术。至于摄影家，他们说，只能记录他面前已经存在的事物，他可能做的只限于调整相机，等待自然光的变化或者布置人造光，选择拍摄角度，更换镜头以改变透视，如此而已。一艺术形式的不断变化上述论点难以服人，而且是会引入歧途的，艺术概念本身就清楚地证明了这一点。历来，艺术就是和某种材料以及操作工艺分不开的。当然，在古代，人们只能使用当时已有的材料和方法。几千年来，人们学会了从植物和矿物中提取各种颜料，用水和胶或油和漆把它们调合起来，然后用画笔把这些颜料涂在物体的表面而作成了画。而且，艺术的形式也是不断变化的。富于进取精神的探索者们不断地实验新材料，他们势弃了旧的工作方法，恢复一些古老的工艺。近年来，在美术创作中引进了许多新的东西，像丙烯材料、拼贴画、多种材料的组合雕塑、结合环境的美术设计和偶发艺术派的作品等，这里只举很少几个。艺术之所以成为艺术，与它所用的材料和工艺之间，只有一部分关系。它的最重要的特点还是在于艺术家从题材中提取基本视觉美点以感人的方式再现它们的才能。画笔、颜料、蚀刻针、颜色铅笔和打样机仅仅是艺术家的工具。它们不能保证艺术创作必定成功，正像丁字尽和三角板不能保证产生优秀的建筑一样。它们作为艺术家手中的工具，可能有助于产生艺术品，而在笨伯手中只能画出毫无意义的涂痕。对于相机来说，也是同样的道理。作为一种工具，它可以帮助艺术家创造出某一特定的艺术品。如果在一般人手中，不论此人技术如何高超，知识多么渊博，也不论他怎样精心操作，还是创作不出艺术品来。因为可以说：相机是一种能够反映使用者思想的灵敏工具。学习绘画和雕塑的人，要花很长的时间去练习技巧，包括素描、作画和造型，然后才能掌握表现自己的艺术思想的方法。此外，还要加深对艺术本身的理解，否则，他们的作品只不过是对人物、地方和物体的简单的记录罢了。遗憾的是，许多艺术家过分致力于发展他们的艺术手段，而完全忽略了艺术的最终结果这就是艺术的表现力，它才是艺术的真正作用。学习摄影的人，也需要用多年的时间，去掌握摄影技巧，处理光线，熟悉相机性能，胶片特性和冲洗工艺。许多人达到这个技术水平以后就满足了，便去从事摄影活动，他们也拍出了高质量的，忠实于原物的照片，满足了职业上的需要。另外一些人则不甘心功利上的满足，而是醉心于探求艺术的奥秘。其中有相当大的一部分人已经卓有成就，受到同行艺术家、博物馆、展览馆、私人收藏家和工业界的重视和好评。自从人类开始重视绘画、雕塑和美化环境以来，每次关于艺术的计论，总不免要引出一个使哲学家们一直为难的问题：为什么一件作品可以称为艺术品，而在许多方面都和它相似的另一件却不是？人们提出过许多理论和解释，但随之而来的却是同样多的争议和反驳。这个问题的关键是从根本上混淆了以下三个方面：（1）艺术和自然的异同（2）视觉形象思维和文字概念的区别（3）艺术和手艺的关系二艺术和描绘自然十四世纪以来，人们开始探索用科学来解释人类的每一个活动。艺术家们也随之对大自然作了仔细的研究，并不断地用更为符合自然和科学的内容来充实自己的作品。解剖学、透视学、光线、三度空间甚至衣服的皱褶都受到了极大的重视，以至于老实的观众得出这样的结论：艺术就是要模仿自然。这就是当时人们理解作品和判断作品价值的简单方法。丝毫不差地再现主题就是佳作，稍有违背就难逃劣作之嫌。这种科学地观察和描绘自然的活动，到了十九世纪末期到达了高峰，这是印象主义绘画。印象主义画家在表现五光十色的光线方面极为成功。人们能从他们的画里判断季节，判断一天里的某个时间和当时的天气情况。大约在同一时期，摄影术发展了，并且得到广泛应用。过去几个世纪许多艺术家苦苦追求的事情，现在这个“小黑盒”轻易地就办到了。它能捕捉所有的细节和所有的层次，甚至连自然界存在的所有不愉快的东西都能摄入无遗。这个了不起的发现，使任何一个人都能相当轻松地拍出一张照片。艺术家们摆脱了如实记录的重担以后，便转而探索艺术的更本质的特征。通过探索，他们在艺术和自然的关系方面得出了一些重要的结论。自然界有它本身的美，并不在于人们是否去捕捉这些美。但表现自然美的照片却不能自动成为一幅美的作品。没有什么人会说图一、二、三中的主题不美。一百年来，纽约中央公园一直受到居民和来访者的喜爱。它那山、石、树、木、曲径、平湖，无不婀娜多姿，引人入胜。它是人们在喧器紧张的城市生活中就近休憩的宜人之处。甚至周围那些不断加高的楼群也相映成趣。多少年来，中央公园一直是千百幅优秀绘画和摄影作品的灵源泉。其中很多杰作送陈各博物馆，深受赞赏。右面这个盆插花，在纽约地区一个重要的花卉俱乐部所赞助的竞赛中，曾获得一等奖。这幅照片里的孩子是“美童”竞赛的获奖者。这几个题材的本身者是很美的。但这几幅照片，即即使聚焦清晰、曝光正确、印放得当，却依然缺乏趣味。无论是剪裁遮挡还是增添什么景物都无法弥补拍摄时所缺乏的东西那就是题材固有美之外摄影家心目中所认识所发现的美的因素。当我们拍摄很美的人工制品时，也会遇到同样的伤脑筋的问题。中国瓷瓶是古代瓷器的代表作。它的造型、表面和釉彩都达到了人类可能达到的完美境界。法兰克·伊利斯库曾任全国雕塑学会主席，他是颇受推崇的一批雕塑专著的作者。他的铜雕被用来装饰政府大厦、办公大楼的门廊、银行和私人宅邸。伊利斯库先生的作品“象棋”，脱胎于腊制的原物，初模是银作的，最后用金包铜完成，相当华丽。有一个时期，当城市摩天大楼被指责为难看的玻璃笼子的时候，迈斯·范德罗设计的纽约西格拉姆大楼就已得到全世界评论家的一致好评。它那绝妙的空间安排，巧用铜料装点出来的色彩和质感，壮丽的广场，一直吸引着很多摄影家拍摄优秀的照片。同样，我们面前这些照片，堪称题材美、聚焦、曝光、印放技术都很高超，但却并不动人。像前面的例子一样，摄影者头脑里缺乏生动的艺术构思。相反，通常看来并不美的自然景色、人和物却能拍成很美的照片。对于这些照片，我们要撇开画面的感人之处，去回忆一下，当时在平常环境下看到的这些题材，确实不特别动人。然而，如果艺术家把他内在的想象力和娴熟的技巧结合起来，用这样的题材也能拍出美好动人堪称佳作的照片来。三艺术和抽象的视觉美点密切相关并不是说，题材丑陋反而能保证拍出成功的照片。美的题材经常能产生美的照片。问题的关键是，艺术效果完全取决于艺术家是否从这个题材中发现了和感觉到了抽象的视觉美点，以及处理它们的能力；经过这番处理观众才能看到艺术家曾经看到过的东西，激发出和艺术家同样的感情。按照艺术家的观点，自然存在的事物无所谓美和丑。正是艺术家，才能有能力发现美的本质，并把它展示给人们。现在，问题明确了。艺术品的质量和自然物的面貌关系很少。题材里固有的美并不一定等于照片是动人的。艺术品是由某种抽象的美点构成的，它们机械地模仿自然是两回事。惟妙惟肖不能作为艺术品的出发点，也不是评价艺术品的标准。事实上，效果最好的照片，是既不违背自然形式，又力求高度简化，敢于大胆处理线条、色调、形状和质感的那些作品。艺术就是汲取这些最本质的视觉美点，使之处于突出地位，剔除那些妨害中心思想的成分，或使之处于次要地位。这类视觉美点，在我们周围到处都有，占我们日常生活的比重很大，以致我们大多数人竟然对它熟视无睹。每一个题材，不论它是平淡无奇还是宏伟壮丽，它都包含着几乎无限量的视觉美点。有时它只存在片刻，稍纵即逝。有时它藏在极普通的外表下面，貌不惊人，难以辨认。事实上这隐藏着的视觉美点才是真正神奇有趣的东西。从题材中发现这类线条、色调、形状和质感，把它们纳入取景器，以摄影家完全满意的方式加以处理，随后制成照片，使观众对这些视觉美点也能一目了然。这就是构图的全部内容。虽然有时候照片里看到的东西难以解释，简直象是魔术一样，但有许多东西仍然是可以弄清楚的。有些摄影家生来就是很敏感，他们能在看来无所作为的地方一下子发现奇迹。有些人需要经过一番启发才能认识潜在的视觉因素。然后也能不太费事地发现它们。大多数人则必需给以系统的教育，提高他们认识视觉美点的敏感性，用这种方法培养他们的辨别能力。四构图从混乱中找出秩序构图是一个思维过程，它从自然存在的混乱事物之中找出秩序；构图是一个组织过程，它把大量散乱的构图要素组织成为一个可以理解的整体；构图是对这些要素的反应过程，也是想方设法组组这些要素的过程，目的是让这些要素向人们传达摄影家已经体会到的兴奋、崇敬、畏惧、惊异或同情。构图所表现出来的气氛，有时是平静的，有时是有力的或坚定的，有时也可能是活跃的。题材本身会向摄影家展示出所要表达的情绪。通过构图，摄影家澄清了他要表达的信息，把观众的注意力引向他发现的那些最重要有趣的要素。构图方法和构图语言并没有什么神秘之处，也没有什么条文可以遵守。要理解构图，参与构图实践，就必须对几千年来艺术领域里人所共知、行之有效的那些普遍原则有所理解。关于构图方法，没有像技术资料那样现成的表格、汇编、手册可供利用。若干年前，有人曾想把构图方法汇编成书，把金字塔式的角锥形、圆形以及车轮辐射形等基本构图形式收录其中。显然，有些古代大师在他们的一些绘画中已经使用过类似构图形式。迄今为止，曾经产生过多少杰出的绘画和摄影作品，但是，如果企图按照某种基本格式去分析它们的构图，那么，分析的结果，与其说是一目了然，倒不如说是强词夺理。那些企图使构图符合一定模式的摄影家必定会发现，所得到的如果不是老框框，就是给作品加入了牵强附会的成分，这种模式对于我们增长本领起不了多大作用，正像我们引用名词术语打动不了听众一样。这样的构图，即使安排得十分工整，面面俱到，由于不可避免地过分雷同，也必然令人生厌。因此，这种构图模式是否有用，值得怀疑。另一方面，单凭直觉构图，或许能产生一些值得一看的作品，但在更多的情况下，这种做法带有偶然性，不能保证把摄影家的思想传达给观众。五摄影中的冒牌美术在摄影和美术的关系方面，那些对摄影和绘画都懂得很少的人，有把这两种表现手段混淆起来的危险。他们没有能力用颜料在画布上绘出满意的作品，于是就转而想用相机来获得貌似美术的效果界线模糊、情绪低沉、朦胧不清、像图画一样，使人想起科罗和他的模仿者的风格。这些吹嘘成“印象主义的”风景照，多年来在本地和全国沙龙里展出。可能至今还有追随者们热衷于搜罗古龙的“药方”，想从中找到怎样处理负片和照片才能达到这类效果。随着绘画界几何抽象派、抽象表现主义、流行艺术派和极少派的出现，摄影界兴起了一些假冒美术家的摄影者，他们同样是摄影的亵渎者。但他们模仿的不是古代的而是现代的绘画。他们处理影象时，也泼洒化学药品，使用颜料，硬加与摄影无关的材料，用这些办法求得肤浅的抽象艺术效果。当然，绝对纯正又未免过于简单和拘束。但是，在摄影光学、用光和化学处理方面仍然大有可为的情况下，根本没有必要去乞灵于模仿。如果有些人不愿局限于直接使用相机、镜头、负片和照片冲放技术，可以去探索物影照相，多次曝光，光调器和照片剪辑等类形式。抽象艺术和抽象的视觉要素是不同的两个范畴。抽象艺术是绘画和雕塑发展中的一个流泒，它是作为对科学写实主义的反动而出现的。首先它强烈地突出线条，其次是使用色彩的组合，目的是追求美学效果，而不是描绘自然。此后，立体派发展起来了，大量不同形式的抽象派作品随之出现。那些认为立体派和抽象派作品是现代风格的人，一旦得知立体派竞肇始于1980年的时候，一定会大吃一惊的！从某种意义上说，抽象派作品的动机是想证明：只需要运用线条、明暗、颜色、形状、质感等抽象要素就可以制造出大量丰富多彩的绘画，而和现实世界的主题很少有或者根本没有关系。现在，这种论点早已被充分论证过了，而且经过长期流行，人们也感到厌烦了。看来现代艺术观点又要和写实主义发生联系；然而这是和过去的风格迥然不同的一种写实主义。这种写实主义倾向于非常强烈地强调抽象要素，下百这些抽象要素，构成了各个视觉艺术包括摄影以及绘画、印刷艺术和雕塑在内的基础。自从人类开始装饰环境、衣服和工具以来，这些抽象要素就曾对每一种艺术形式的成功有过贡献。它们还要继续成为世界不同文化中的艺术的支配力量。虽然自然界的某些方面经常是人类艺术的模特儿，但在美学上成功的程度却直接关系到所强调的要素，即线条、形状、颜色、立体感和质感。优秀的艺术品一般说来都是只会模仿自然存在之物，很少注意或根本不去注意这些要素。任何一种艺术，如果它自觉地或不自觉地模仿其它艺术的话，那它就是否定了自己作为一种艺术的价值。摄影家如果用摄影器材去产生别人用颜料或雕刻出来已经生产过的东西，那他就是把自己降劣等地位，他的艺术作品（如果可以叫做艺术作品的话）也是就劣等的。如果一把一张照片弄得象是油画、版画或蚀刻画，那是对摄影这种严肃手段的践踏。六视觉形象思维和文字概念美术家涉及的是视觉形象，音乐家涉及的是音响，作家涉及的是文字。让这种表现方式去发挥那种表现方式的作用，是一个错误。也许因为我们所受的教育大部分是通过文字进行的，我们总是习惯赋予照片以文字含意。好奇心驱使人们固执地注意着照片里的所谓感情上的或道德上的暗示，也许还有它后面的浪漫故事。因为我们认为艺术品本身就具有文字含义，所以我们要寻找“画面以外的文字”来向我们自己或向别人解释艺术家的意图。然而，有意义的“画面以外的文字”是不存在的。摄影家的信息纯粹是视觉的。照片中表现的任何含意只能看，不能读。即使对一幅照片的艺术价值作口头解释，也有可能夸大某一特点的重要性，而同时歪曲了所有各部分之间微妙的和谐关系，充其量不过是简单化地理解艺术家的意图。人们在评论蒙德里安的一幅几何形体派绘画时经常这样说：它包含着垂直线条和水平线条，它们互相交叉而形成大小不同的矩形，有些是纯黑色，其它一些是纯红色或纯黄色。所有这些，于对任何一个愿意劳神看一眼的人者是十分清楚的。对蒙德里安的这幅画所作的评论，不仅适用于他的其它作品，而且也适用于和他同时代其它艺术家的作品，即使每幅作品各自完全不同。这些评论，实际上只是一般地谈到了蒙德里安作画的宗旨、作画的方法以及这一画派的主张。很难说这些评论会增进对某一幅作品的欣赏能力。这些评论既不能使欣赏蒙德里安的人得到什么要领去证实自己的正确，也不能说服不喜欢这些作品的人改变他们的看法。在摄影方面也是这样。照片只能依靠它的视觉美点给人以深刻印象。搜集有关的主题的或处理方法的奇闻逸事，对艺术的价值不起作用，它只能引起混乱。下面这些照片只需要通过视觉就可以传达它们的信息。它们并非来自文字概念，也不要指望会有什么语言反应。照片已经表达了要说明的一切，无须任何文字补充说明。成年人看到这些令人兴奋的线条、形状、色彩和质感的时候，也能重新体会到儿童时代才有的那种愉快心情。七艺术和手艺为什么手艺和艺术经常被混为一谈，基至有时把手艺看作是艺术的同义语，这是很容易理解的。初次尝试一种活动，往往因为动作不协调而受挫折。工具好像太笨，毛病百出。由于缺乏技术，整个工作搞糟了。观察了熟练工作的表演，容易夸大灵巧的操作和出色的产品之间的关系，从而得出错误的结论，认为二者是一回事。一个人如果不能同时成为一个高超的艺匠，他就不可能成为一个艺术家。如果一件作品的设想是好的，但它的制制水平很低，那么设计的目的就难以达到。为了创作具有艺术效果的作品，有趣的设想和完美的技术是缺一不可的。但不能认为一个具有高度技术的艺匠就是一个艺术家。做家具的木工是一个很好的例子，足以说明这一点。使用优质的木材，把所有棒头对正安好，油漆打磨到毫无瑕疪的程度，就能造出一个柜子来。但最后成品可能并不好看。同样地，一个摄影者能够拍出一张技术上完美的照片来，曝光和印放都可能是无懈可击，令人羡慕的，甚至构图也可能很紧凑，但从全面衡量，这幅照片除了和它有直接有关的人员以外，也许不会吸引任何人。摄影艺术家不应该是一个超级艺匠，而且还要继续深入钻研，提高自己的技艺。甚至应该象二十世纪的画家一样，达到一个相当高度的水平，达到能够自由运用自己技艺和智慧的地步，甚至可以大胆运用有时近乎粗劣的创作手法。许多艺术家富有挑战性的性格，他们喜欢反驳那些已被公认为正确的和基本的东西。他们改变了透视关系，随意处理比例关系，虚构不可能的场面，用假设的自然光源安排互相矛盾的照明，打破已避孕药的色彩协调关系。反传统主义成为大多艺术家(如果他们原来的风格不是反传统主义的话)所追求的倾向。下面几幅照片都没有遵守摄影技术的主要原则，结果是获得了更有力、更可爱、更动人的效果。第二章 形状在构图的所有要素中，形状可能是一个最基本的要素。相当多的摄影杰作之所以获得成功，或者是凭它单个物体的形状具有戏剧性的效果，或者是依靠几个物体的形状微妙地相互作用；所以我们很容易得出这样的结论：只有形状才是构图的基本要素。另一方面，在许多优秀照片中，物体的形状却又无关紧要。在艺术上这类问题经常出现，它和手工技艺不同，并没有什行固定标准可言。经常是一旦发现某一原理至关重要，就会有人出来雄辩地证明说，艺术创作本来可以不要那个原理，甚至可以和它背道而驰。不管怎么说，对于摄影家来说，形状的设计是相当重要的，值得密切注意。让我们首先讨论一下画面中只有一个单独形状时的各种不同情形。学习绘画和雕塑的人有一个有利条件，他们在研究形状时能用铅笔或粘土轻而易举地创作出各种各样的形状来。而摄影家却必需去发掘那些自然存在的形状。这里，更重要的不是工作手段，而是敏感性。一个人必须善于体察各种形状，包括自然存在的和人工构成的在内。培养这种敏感性的一个有效途径是铅笔作画。这里所要求的绘画技术并不复杂。让我们从圆开始吧：在摄影时，这个圆形可能是一个硬币，一个球，一块圆饼或是一只盘子。生活中不存在孤立的物体，我们所遇到的，看到的和感受到的每件物体都和其它物体相互联系而存在。如果我们在这个圆形(硬币或馅饼)的四周加个边框，由于和边框的相对位置发生了变化，它便函呈现出不同的视觉效果。虽然下面图例中的边框都是一般照片通用的矩形，但它们所包容的物体形状可以各不相同。边框所包容的空间叫作画面。画面里的形状或物体叫图形。一画面和图形的相互关系只要图形一进入画面，就会出现形状设计中第三个极其重要的要素，即背景空间。这个第三要素与前两个要素图形与画面一样，也是一个不可忽视的积极因素。在左边的例子中，较暗的区域主是背景空间。如果我们利用同一图形和画面，只是把图形放在画面的不同位置上，使背景空间发生变化，我们就能清楚看出背景空间的重要性。图形在画面上稍一移动，背景空间的形状也就随之而改变，从而影响了构图。这种影响虽然不易察觉，但起的作用却相当巨大。摄影者往往只把注意力集中在图形上而忽略了画面。这是由于他们只能买到固定尺寸的底片和相纸，所以有一定的局限性。下面是用同一个简单的圆形所构成的不同画面。画面每变化一次所形成的对圆形的包围圈就不相同，给人的视觉感受也不同，而且也使背景空间的形状截然不同。以上，我们讨论的是把圆作为处在空白画面中的一个轮廓。作为一个艺术家，还必需探讨在拍摄一个圆形物体时可能出现的各种处理方案。通过控制光线，我们可以：1，强调圆形物体的轮廓。2，通过布光，在一侧投出影子，以强调它的立体感。3，强调轮廓的不规则性。4，强调轮廓的圆滑。5，强调圆形和画面之间的明暗对比。6，强调表面的图案或质感。根据拍摄对象的色调和我们希望强调的程度，上述各种安排可作如下的变化：1，亮调物体衬在暗调的背景上。2，亮调物体衬在中等色调的背景德镇3，中等色调的物体衬在亮调的背景上。4，中等色调的物体衬在暗调的背景上。5，暗调物体衬在亮调的背景上。6，暗调物体衬在中等色调的背景上。改变画面中的图形的大小，还可以获得更多的变化形式。在摄影中，任何一个要素如果离开其它要素，都不可能得到充分的表现。色调、质感和大小三者相互作用极为重要，不得稍有偏废。在下面的讨论中，我们的确稍有侧重，但我们的目的不过是为了对那些引起视觉兴趣的物征集中地分别进行研究而已。通过这种方法，我们可以深入理解这个原理并提高视觉的洞察力。现在，摄影者不妨选择一些圆形物体并给以照明，使它们发生有趣的变化。为了拍摄完整的圆形，需要把物体放在地方，相机放在正上方的三脚架或支架上，通过取景器或毛玻璃研究各种安排方案。要把注意力集中在图形、画面和背景空间三者的相互关系上。同时，不要忽略了迄今你所培养起来的有关摄影美学的内容。实际上，这时并不需要曝光，但是，如果发现了什么感人之处，一定要把它们拍入镜头并印制出来。某些最有趣的照片就是用类似这样简单的方法拍摄下来的。然后取一个由螺旋体或同心圆满构成的物体作试验，看看它们身上能得到什么样的视觉效果。把相机凑近圆形物体所在高度的平面,拍摄其透视图并观察其结果。这样拍出来的是个椭圆形，它和圆形还有相似之处，然而它的图形设计特点却显著不同了。一个加圆形没有特殊的方向性，但是椭圆或它的同族卵形却有一个长轴，这个长轴赋予图形本向一种特殊的方向感。把这种图形放在画面里，如果改变图形的方向，就能使背景空间发生显著的变化，从而加强了方向的效果。在人工制造的和自然存在的物体中，人们常常发现含一个直边（或两个直边）的弓形。这些弓形使形状变化和方向变化更加多样化，从而有可能设计出更多，更有趣的背景空间。这还可以使方向变化的效果更为强烈。请比较下面两个图形的视觉效果。左边这个图形给人一种稳定和严肃的感觉，而右边那个图形则显得不稳定，具有含蓄的运动感，而且显得有点随便。二、形状的创造当我们开始涉及三角形时，形状变化的机会就更多了。首先，我们还是在纸上画草图，所画草图可以稍大于下面的图样。形状的变化是无穷无尽的，首先，我们使用下列各种三角形。利用三角形的大小和方面的变化可以布置出各种形状的画面。培养构图灵感的一个有效方法如下：选选定一个特定形状的三角形，制作几个不同尺寸和不同比例的矩形，矩形的尺寸应足以容纳这个三角形的各种姿势。把三角形放在矩形画面之中并到处移动其位置，考察不同的位置所产生的效果。这个方法看来很简单，但可以提高敏感性，认识形状之间的有趣关系，其结果意味深长的。三对自然界各种形状的观察在研究上述几何图形的时候，你会发现自己能看到的视觉世界中许多有趣的形象，这些形象过去你也曾多次遇到，但却未予注意。这种新培养出来的意识正是一个摄影家最宝贵的才能，这就是透过表面观察事物的能力。以后，我们还要计论如何观察在我们生活中接触到的物体和事件，以及如何表达我们对它们的反应和感情。现在我们主要集中计论这几个方面：摄影怎样才能具有魅力，怎样才能给人以美的享受，以及使人看后就兴趣盎然。在摄影实践中，人们往往不是把事先想好的美学构思加在拍摄题材身上，相反、摄影家依靠他的特殊的敏感，能能题材的感人因素作出即兴反应，并从题材本身获取需要集中表现的美的素质。所以，必须培养自己的观察的习惯并不断提高自己的鉴赏能力。这就是你取得经验的基础。有了这些经验，才能促使你对某个情景作出瞬间的视觉反应，才能产生优秀的作品。因此，在你的自我训练中，不能看一眼了事，而要仔细实地观察。在初期，作为自我训练的一个部分，可选定一个题目，并尽可能找到最多的答案。这并不需要安排特殊的时间，可以利用旅行、散步、凭窗眺望，或室内小坐的时间，而且完全可以作为一种不用相机的观察练习。我们刚刚探讨了三角形的作用，现在你应当设法发掘你周围环境中的三角形状。此外还要记住，在你探索中，不要忽略实物之间的空隙所形成的三角形。我们从圆形和三角形谈到四边形时，形状变化的机会是逐渐递增的。我们用圆形和三角形所做的每个试验都可继续周于四边形。四边形的比例有无穷的变化，所以能够用来构成无穷尽的形装。你如果出去观察或拍照，在城市里是不难找到四边形的。在城市建筑中到处都有四边形，它们几乎占据着统治地位。以上，我们只是讨论了规则的几何形状，这种形状往往使照片看来整齐匀称。再用铅笔作试验，用四条长短不同的直线创作出各种有趣的形状。请注意，其中有些形状妙趣横生，而有此则毫不动人。环顾一下你的工作室，你会发现在实际物休整 ，在阴影里，在背景空间里，或者在两个或多个物体之间的背景上，到处都会看到上面所画的一些形状。试用上述方法，勾画五条直线连接成的各种图形。你画得越多，就越富有创造性。每次都可以创造出无数的形状。四自由形状和复合形状艺术上很多有价值的东西都是从某些简单题材发展变化而来的。设计或创造四边形和五边形的图形不过是图形变化的一个简单的练习，但是要创造C形曲线的变化图形,其程序要多少复杂一些。现在，把几条直线和一条C线曲线结合在一起。然后，我们再使用两条C形曲线。有些形状是由多条C形曲线结合而成的，里面一条直线也没有。这类形状要尽量简单明书，如果纠缠不清，就不足以动人。你能创造出多少S形曲线呢？现在用几条S形曲线和几条直线设计几种形状。然后，把几条S形曲线和几条C形曲线结合起来。在设计各种形状时，除了采用线条组合法之外，还可以采用下述方法。五减图造形法先用纸做一个基本图形，如圆，三角形、正方形或或矩形，从角上或边上剪下一些较小的形状，如直线、C形曲线或S形曲线，直到形成一个满意的新形状为止。六增图造形法选用一些小的形状，把它们结合在一起，形成一个全新的形状。七剪纸造形法用剪刀或锋利的刀片作一系列的自由式剪氏。八烧纸造形法烧烤一个基本形状的边和角。九随意造形法随意造形，然后从中造出一个单个形状或一个复合形状。把选好的形状剪下来或涂成黑色以资鉴别。在做了这样一些简单练习之后，你会自己的鉴赏力和观察力提高的程度感到惊讶。原来在物体和物质的平凡的外表下面隐藏着的耐人寻味的各种形状，现在都展现在你的面前并且受到鉴赏。你发现得越多，你就越要去探索，于是，你就越加为自己新养成的感受能力和观察觉能力而感到欣慰。十单个形状的拍摄现在正是大好时机，可以开始拍摄由单一形状控制画面的照片了。但是需要提醒一句，当你通过取景器观察的时候，单纯的以录像为目的的老习惯时时有抬头的危险。有一种偏听偏见，认为摄影的主要目的就是要无比清晰地捕捉每一个细节，从而显示你的镜头质量是如何高超。摄影家必须不断地各这样的想法作斗争。拍摄单个形状时，我们的目的是发现有意义的形状，并把它突出出来。找到这种形状之后，往往因它所处环境不够理想，就要上下左右地调整你的位置，直到取景器中出现的形状满意为止。然后就要集中精力简化背景，以突出这个形状。这个过程可能可迫使你作出必要的让步和调整，迫使你作出决定：究竟需要作怎样的删节才能达到突出主体或简化背景的目的。为了简化背景，也许不得不拍摄一个姿态不太理想的形状，如果现有光线不能使形状和背景分开，不能使两者保持足够的对比、以使用人工辅助光以达到预期的效果。常常可以加大光圈，限制景深以大大简化背景，这样做能使背景的细部显得模糊。你可能会考虑到图形与画面的相互关系，但是在拍摄当时要做出明确的决定是不太可能的。以后，在印制照片的过程中，会有适当的机会来试验各种布局、尺寸和画面安排，以便找出一个最满意的相互关系。现在所以考虑到图形与画面的关系，无非是要表明应该注意从多方面去考虑，因为从多方面考虑才是艺术摄影所必需的和应当培养的一种思想方法。除了变化迅速的场合之外，拍摄一张照片花费多少时间都无关紧要。有时候，一切构图要素都能迅速安排妥当，很快就能拍摄完成。然而，有时候为了寻求最佳形状，要移动位置；为了使背景简化和柔化，要在主体和背景之间进行调整；为了完美地再现主题，要等待最理想的光线。这一切都需要花费很长的时间，然而却十分引人入胜。十一直观构图到这里为止我们所介绍的大多数材料完全是通过直观，通过构图设计过程中的即兴安排来控制的。每一个活动都完全听命于个人的感受和判断，而不是受通常的衡量标准的支配。完全直观的构图设想包括：1，形状的设计。2，画面的设计。3，形状对画面的相对尺寸。4，形状在画面中的布局。5，背景空间的安排。其实，大量的艺术创作都是直观的，大部分构图也是如此。不可能有什么规则，因为任可规则只能抑制个人的即兴表现力，并导致作品题材陈旧、千篇一律而令人生厌。很多卓越的摄影家创作出的优秀作品，并且自己也认识到这一点之后，他们才开始分析那些艺术作品所遵循的标准，并提出指导他们今后工作的一些原则。自从摄影变成了文化的组成部分以后，摄影家们也一直考虑同样的问题。特别在过去的一百年里人们花费了很多心思，去研究那些影响构图要素的设计原理。有些原理，如大小、方向、明暗的对比和突出地位等，在摄影练习指南上都曾提及。这些原理，以及一些类似的原理都将在以后的各章中充分展开讨论。清楚地了解这些原理，对于解决任何构图问题都大有裨益。特别当牵涉到两个或更多形状的结合问题时尤其如此。尽管读者现在对这些原理还没有充分理解，但并不是说对它们毫无体会。因此，姑且把本章下面要提出的一些问题放在纯綷直观的基础上去讨论。以后，当读者对这些原理充分理解和接受时，再对本章所述的直观构图及其效果重新评价。我们常常发现，潜在意识会引导我们获得新奇的成果，而这些成果最终是能理论化并得到充分论证的。十二两个或多个形状的构图虽然在自然界人们偶然也能发现只有单个形状的画面，但是很多拍摄题材则包含两个或更多的形状。这里，简单的绘图和剪纸仍是我们作试验的有效手段。剪下两个不同比例的矩形，一个用黑纸，另一个用白纸。然后用灰纸剪下很多不同尺寸和比例的画面，画面的大小要能容纳得下这两个形状。首先试验两个矩形在画面中的各种布局，两个矩形不要相接触。然后布置这两个形状使它们在边、角处互相接触。随后，安排它们互相遮挡。现在，我们再选各种画面，继续试试布局。任一形状稍一移动都会使背景空间发生变化，这些变化都要一一牢记。十三空间的划分下面的课题表明，要想用一些横线，竖线构成各种矩形以达到有效地划分空间的目的，需要进行何等强度的思考和判断练习。先画一个画面。加上一条竖线，构成两个矩形，使两者保持适当的关系。其中一个矩形应充分突出同时并不埋没另一个矩形。加上一条横线，形成四个有趣的矩形各不相同，却十分协调。继续增加竖的和横的单线和双线，有些延伸到边框的最外沿，有些延伸到图形内部的线上。在加上每一个线条之前，应仔细考虑新出现的矩形，以及整个构图是否富有情趣。用铅笔把某些形状涂成暗调或中等色调