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写歌词需要注意的问题 1写一首流行歌曲不外于两种途径：(一)是依照写好的歌词谱曲，(二)是依照已有的曲子填词；这两种方法现在都经常使用。对于许多音乐基础不足的朋友而言，作词(或填词)相对容易一些。然而，要想写一首内容好、好唱又好听的流行歌词却也要下一番苦功夫才行。许多热心而有才华的朋友将他们的歌词作品向我们投稿。可遗憾的是，我们发现其中的大部分要么是语言表达的功力还不够，要么虽然写得不错却很难谱上曲子来唱。为什么会这样呢？主要是因为这些朋友没有掌握创作歌词的方法和技巧，空有才华，却难以充分发挥。那么，怎样才能创作出一首好的歌词呢？首先，我们要明白，歌词不等于诗歌。很多朋友寄来的作品，其实只是一首现代诗，而不是歌词。有些朋友也曾问过：究竟诗和歌词有什么不同？是啊，要想写一首好的歌词，我个人认为第一时间就要分清这二者的区别。现代诗歌与流行歌词确实有许多相通之处，二者都从很多方面突破了传统格律的限制，形式和内容都更自由。从本质上讲，歌词也具有诗所具有的艺术特质、表现技法和情感特征，但它和诗之间还是有着很大的区别。最主要的原因在于，歌词为了能够配上曲子唱，在结构、语言、韵律等方面要受到音乐旋律的影响和制约，同时它又反过来制约和影响着旋律。所以，流行歌词相对于现代诗歌而言，自由度要小很多，不能随心所欲，海阔天空地写。而且语言要求通俗易懂，尽量避免谐音产生“畸意”；比如，在心里老是唱成“你知道我在等你妈(原词是吗)”，那种感觉要多别扭有多别扭。本来一首很好的歌，却因为一个糟糕的谐音而“毁”了。写好诗歌是创作流行歌词的基础。话又说回来，流行歌词与现代诗歌同出一源，所以写好诗歌是创作流行歌词的基础。诗歌创作的经验也能给歌词创作以很大的帮助，其中最显著的就是成功诗歌的创作能使一个人的文笔更精练、更准确、更富表现力，这些对歌词创作都会有极大的促进作用。而诗歌有别于其他文体的最大特点有三：语言精练且更富有韵律，表现手法更有力度，结构更严谨。诗歌在相对较小的篇幅内要想有动人的表现力，不做到这三点是不行的，歌词也一样。有一些朋友的作品几乎像写散文诗一样自由，尽管能传神地表现内在的情感，但语言拖沓重复，甚至节奏和音韵都不整齐，这样的歌词作品即使内容非常好，很感人，也很难变成一首歌。可以说，歌词创作：第一忌，语言不精练、不优美；第二忌，节奏和音韵不合；第三忌，语言深奥晦涩或单纯说教；第四忌，结构混乱；第五忌，平平淡淡没有高潮；第六忌，有破坏没建设的糟糕的谐音。下面，我们先来详细探讨一下怎样创作出好的歌词。第一，要能够感动自己，更要能够激起他人的共鸣。一定要用全部的情感去锤炼一首歌词，把自己生活中最受触动的故事和情感融会在一起，用最准确、传 神的语言来表达，以严谨的结构层层铺垫，直到高潮。要写最令自己感动的东西，不仅仅要在一种充满燥动的情绪中去写作，更要在阅读自己的作品时能再次被它打动。如果能做到这一步，你就已迈出了成功最关键的一步。但这一步也是最难的，要看你的文笔和才情是否到家。真正的高手，他或许只是听了别人的故事，却也能做到感同身受，这一方面是因为他们有着丰富的人生阅历，一方面也是因为他们对人性、对感情、对人生有着深刻的见解。在这样的基础上，再不断地锤炼自己的文字，也能写出感人至深的作品。反过来，有的人虽然也有着动人的经历，文笔也过得去，可写出来的东西却怎么也找不到那种“感觉”。这是因为在写的时候，这些朋友忽略了对故事的巧妙的讲述，人物的细致刻画，以及巧妙地表达内在的情感。他们没有很好地刻画细节。所以，尽管语气热烈澎湃，但离感动总差一点点。比如，有很多朋友写他们初恋的歌，有的是没头没脑的一段抒情，有的是评书一样的爱情故事。如果这些朋友仔细地研究一下同桌的你，也许会真正感受到什么才是最好的关于初恋的歌词。同桌的你 词：老狼 明天你是否会想起/昨天你写的*记/明天你是否还惦记/曾经最爱哭的你(a)老师们都已想不起/猜不出问题的你/我也是偶然翻相片/才想起同桌的你(b)谁娶了多愁善感的你/谁看了你的*记/谁把你的长发盘起/谁给你做的嫁衣(c)你从前总是很小心/问我借半块橡皮/你也曾无意中说起/喜欢和我在一起(a1)那时候天总是很蓝/*子总过得太慢/你总说毕业遥遥无期/转眼就各奔东西(b1)谁遇到多愁善感的你/谁安慰爱哭的你/谁看了我给你写的信/谁把它丢在风里(c1)从前的*子都远去/我也将有我的妻/我也会给她看相片/给她讲同桌的你(a2)谁娶了多愁善感的你/谁安慰爱哭的你/谁把你的长发盘起/谁给你做的嫁衣(c2)啦(d)老狼在他的这首经典作品里，首先是对“她”进行了细致传神的刻画，“爱哭的你”、“总是很小心，向我借半块橡皮”，这样生动的描绘，言语不多，一个纯真、可爱的女孩却已活现眼前。老狼用非常巧妙的手法，讲述了一个动人的初恋故事：岁月流逝，回首从前，从相识、相爱到分离，唯美但令人叹息的初恋分成三大段来歌唱，每大段都回到高潮的四句排比上，以一种“追忆逝水年华”的总的情感统御几个并不连续但很经典的画面。众多与爱情有关的意象*记、相片、长发、嫁衣信交错而过，那份埋藏在内心深处的情感，不但没有沉下去，没有在歌声的反复中消散，而是不断地盘旋凝聚，越来越 浓郁，越来越清晰，越来越热烈 第二，精心规划歌词的结构，把握好“起、承、转、合(高潮)”的步调。做好第一点后，我们应该对要写的歌词有了比较清晰的感觉，同时也应有了最精彩的词句，接下来就应该精心构思整首歌词的结构。有一些朋友一有了好的感觉或词句就迫不急待地坐下来写作，这往往得不到好的作品。我们要养成先规划好歌词段式的习惯。流行歌曲的基本段式有一段式(如邓丽君的小诗，见如歌浓情)，二段式(如邓丽君的云河，见如歌浓情)，三段式和多段式四种。目前大多数流行歌曲都是三段式或多段式，一段式和二段式因为太短，难以很好地表现情感，已经很少用了。一首歌曲的段式一般是由其旋律决定的，像前面的 同桌的你，还有张楚的 姐姐等，就是多段式。我在第一条里讲到“不要只有抒情没有故事”，主要就是针对用三段式或多段式进行整体布局而言的，因为在写三段式的歌词时，用“故事+抒情”的手法相对容易一些。而且一首歌词如果能有一点故事情节，就能更好地进行“起、承、转、合”的变化。虽然这听起来有一些老套，但对于刚开始学习歌词写作的朋友来说，是非常关键的。其实，大多数优秀的歌词作品都是很好地把握了“起、承、转、合”的结构。我们以驿动的心为例，来说明歌词中的“起、承、转、合”。驿动的心 词：梁宏志 1 (起)曾经以为我的家/是一张张的票根/撕开后展开旅程/投入另外一个陌生 (承)这样漂荡多少天/这样孤独多少年/终点又回到起点/到现在才发觉 (转)哦 (合)路过的人我早已忘记/经过的事已随风而去/驿动的心已渐渐平息/疲惫的我是否有缘/和你相依 大多数三段式和多段式的歌词，“起、承、合”都十分明显，却没有明显的“转”。这种情况下，“转”主要体现旋律上，一般都是在第二段(承)的最后一句上出现向高潮过度的旋律进程，而这时的歌词往往也有比较明显情绪和语气的变化，以配合旋律转到“高潮”。虽然说“起、承、转、合”的步调主要是通过旋律的变化来体现，但词作者在作词的时候也要充分考虑到这一点才行。曾见过有的朋友把一首词中最好的句子放在开头，这样只会给人虎头蛇尾的感觉，我常常戏称之为“塌台”，意思是词的后半截撑不起来了。最后要注意的就是歌词的结尾，以及全词的和谐。词的结尾一般有三种：一是将高潮的全部或部分反复至结束，例如 凡人歌；二是从高潮过渡到一些虚词上，像“啊”、“啦”之类，例如同桌的你；三是重复开始头（也可以略加变化），让高亢的情绪平静下来，例如恋曲 1990。歌曲的结尾主要由曲作者安排，可词作者如果能在创作时就考虑到，就能给曲作者留下更多的创作空间。另外，全词的每一个段落要做到前后呼应，尤其在细节上，只有这样，才能创作出完美的作品。这里要注意的是：起开头和高潮一样重要，你的故事、你的情感一开始就要能吸引人；承最不容易把握的部分，能否顺利过度到高潮，全看最后一二句；转不一定要有明显的“标记”，更多的可能只是情绪和语气的变化；合早说过了，没有想出这一段，就不要轻易动笔。结尾要让人有回味无穷、“三月不知肉味”的感觉。第三，把握好歌词每一段的节奏感，运用合理的句式来组织语言。词作者如果是填词，那有原曲的旋律参照，一般都会处理好语言的节奏感。如果是先创作歌词，那就要会为自己的词设想一种旋律进行，并在此基础上创作。这一点很重要。流行歌词有别于美声歌曲和民族歌曲类歌词的最大的特点在于它相对自由一些。传统的歌词对句式有一定的要求，如2+2+3 的七字句、2+3 的五字句。流行歌词没有这些限制，在同一段内句式可以有比较大的变化。但在不同的段落之间，尤其是旋律相同或相近的段式中相对位置上的句式，要求不能有太大的变化。如果这些段落句式差别太大，就会给谱曲造成极大困难。同桌的你中不同段落间相应的句式就很同步，只在 b1 段的第三句上句式有少许变化。这样的变化不但是允许的，对于流行歌曲而言往往是必须的。如果每一句(或每一段的相应的句)字数完全一样，旋律上一旦处理不好，就会给人以僵化、单调 的感觉。这时，相应句式的少许变化，反而会使整首歌曲显得更生动。每一句字数基本都相同的歌词是非常难写的。没有顶尖大师的水准，最好不要尝试。这样的代表作有：罗大佑的恋曲1990和李宗盛的凡人歌。前者基本上是十二字句，但在高潮和尾声部分句式仍加入了微小的变化；后者前四段全是五字句，但进入高潮却从一个六字句过度到七字句，再进而过度到三个九字句，给了高潮部分激越的感情以充分的语言空间，在将前四段进行第二遍反复时，句式又加入了 微妙的变化（加上了括号中的字）。这样的作品将语言和旋律运用得出神入化，可以说是流行歌曲里的 巅峰之作了。恋曲 1990 词：罗大佑 乌溜溜的黑眼珠和你的笑脸/怎么也难忘记你容颜的转变 轻飘飘的就时光就这么溜走/转头回去看看时已匆匆数年 苍茫茫的天涯路是你的漂泊/寻寻觅觅常相守是我的脚步 黑漆漆的孤枕边是你的温柔/醒来时的清晨里是我的哀愁 或许明*太阳西下倦鸟已归时/你将已经踏上旧时的归途 人生难得再次寻觅相知的伴侣/生命中就难舍蓝蓝的白云天 轰隆隆的雷雨声在我的窗前/怎么也难忘记你离去的转变 孤单单的身影后寂寥的心情/永远无怨的是我的双眼 凡人歌 词：李宗盛 你我皆凡人/生在人世间/终*奔波苦/一刻不得闲 (你)既然不是仙/难免有杂念/道义放两旁/(把)利字摆中间 多少男子汉/一怒为红颜/多少同林鸟/已成(了)分飞燕 人生何其短/何必苦苦恋/爱人不见了/向谁去和喊冤 问你何时曾看见/这世界为了人们改变/有了梦寐以求的容颜/是否就算是拥有春天 第四，语言要有优美的音韵，即使是纯粹的朗诵也能给人强烈的乐感。从学术上讲，语言的音韵是由其平仄和辙韵构成的。所谓平仄，指的是字的声调，在普通话中汉字有阴平、阳平、上声、去声四种声调，基本上前二种为平声，后二种为仄声。一些方言的声调就更复杂了，比如粤语(广东话)就有九种声调，说起话来都像唱歌 一样。不过流行歌词的平仄并不是很讲究的，相信大多数词作者在创作时不会从声调的角度去考虑平仄的问题，而是凭自己的语感，自然而然地调整歌词的平仄关系。所谓辙韵，就是我们常说的押韵，辙和韵是同一个意思。中国的传统诗歌对辙韵(以及平仄)有很深入的研究和规定，比如一个四句的段落中，二、四句一定是押韵的，第一句也常押韵。辙韵有“十三辙”和“十八韵”之分，前者又是后者的基础。下表列出了十三辙的类别，供大家参考：十三辙 韵 母 用此韵的歌词 发 花 a(啊)ia(呀)ua(哇)雨一直下 梭 波 o(喔)e(鹅)uo(窝)小城故事 乜 斜 ie(耶)e(约)雾里看花 姑 苏 u(乌)风雨无阻 一 七 i(衣)(迂)er(儿)同桌的你 怀 来 ai(哀)uai(歪)有多少爱可以重来 灰 堆 ei(诶)uei(威)爱不后悔 遥 条 ao(凹)iao(腰)我是一只小小鸟 油 求 ou(欧)iu(优)让我欢喜让我忧 言 前 an(安)ian(烟)uan(弯)an(冤)真永远 人 辰 en(恩)in(音)un(温)n(晕)凡人歌 江 阳 ang(昂)iang(央)uang(汪)梦里水乡 中 东 eng(冷)ing(英)weng(翁)ong(轰)iong(拥)月亮代表我的心 在很多流行歌曲中，用了不只一个韵，为了让歌词的音律有更多的变化，往往会用二个以上的韵，但一般不超过三个。比如：驿动的心三段分别用了“人辰”、“言前”、“一七”三种韵，由于这三个韵母的发音变化很自然，所以韵虽用的多，依然有很好的乐感。巧妙的换韵，会赋予歌词以多样的色彩和情绪，用得好的话会有很好的艺术效果。过多的换韵会使这首歌没有明显的韵脚，处理不好的话，歌词就会显得很难唱。初学写作的人不要轻易尝试。在歌词转韵中，常常会用“通韵”的手法，即利用韵母中主要元音相近、相似的字，如音和英、安和昂、优和乌、衣和诶等韵，这样会自然很多。一个优秀的词作者会十分重视歌词的押韵，他们会从作品的表现技法、作曲家谱曲、歌手演唱三个角度综合考虑，挑选那些适于传达情感、咬字清晰、发音顺畅的字作韵脚。只有在偶然的机会下，一些顶尖的词作家才会用自由韵(也即不押韵)，初学者千万不要模仿，那只会浪费你的灵感。这样的作品并不多，而且往往是在一些原创的经典作品。自由韵的代表做有张楚的孤独的人是可耻的、顺子的回家、朱哲琴的阿姐鼓等。其实换一个角度去看，这些歌词是用了很自然而又巧妙的转韵，只不过韵脚太多，且转换之间也没有什么规律可言，所以被归入自由韵之列。以上分别从立意、构思、分段、遣词四个方面介绍了流行歌词的写作要点。但千万别把这些当成条条框框生搬硬套，真正在写作时应灵活处理。这里介绍一种速成的方法，就是模仿他人的作品，进行填词。找一二首旋律非常熟悉的歌曲，不要看原词，纯粹从旋律的角度考虑来填词。这样能很快明白诗歌与歌词的不同，而且也能从中领悟到很多语言无法准确讲述的技巧和要诀。其实拿别人的曲子来填词也是流行乐坛常见的做法，不少港台的流行歌曲都是拿欧美或*本的流行歌曲来重新填词的，如柠檬树。说不定，你的成名作就是从此诞生的呢！如果填词已能摸到诀窍，就可以开始自己作词了。歌词从内容上分不外乎叙事、抒情、写景、说理、对唱五种。而流行歌曲中最常见的就是“叙事+抒情”，即使是纯叙事的歌曲也需浓厚的感情做基础（如李春波的小芳和一封家书）。纯抒情的歌也不多，一千个伤心的理由勉强算是吧，但还是有一点点情节的影子。写景的流行歌曲好的很少，beyond 的长城是其中的叫佼佼者。说理的流行歌曲也不多，因为一不小心就成了说教，写得好的当属凡人歌，说理歌到此也就见顶了。对唱的形式一般用在重唱中，二个或更多的人像互相对话一样地歌唱，经典之作首推李宗盛的当爱已成往事和 最近比较烦。开始学作词时，还是以创作“叙事+抒情”的作品来锻炼自己，等真正有实力和灵感时再创作其他类型的 歌词吧。学习写作的过程总是这样的，先是模仿，然后是写作，最后经历不断地磨练和突破，才能进行原创的殿堂，创作出具有自己风格的作品。有了一个好的作品之后，还要给它起一个好的名字。好的名字是歌词不可分割的一部分，要能够反映歌词的主题，吸引人的注意和兴趣。采用的方法主要有：一、用这首歌中最经典的句子，如有多少爱可以重来；二、用这首歌最核心的意象，如棋子；三、用与这首歌有关的对象，如阿姐鼓；四、用能够反映作者创作意图的概念，如 恋曲1990。创作的道路是漫长而艰辛的，朋友们，努力吧！要切记，只有深明作曲之道，才能创作出数一数二的歌词！2一是要注意歌词的押运，每句最后一个音节要一样，不如宁夏这首歌每句最后一个字天，点，念，脸等都是押的 an的音，这点常听歌就能有所领悟。二是要注意，准确的说是忌讳歌词的口水化，现在许多网络歌曲歌词很水，动不动就直白的 我爱你，没有一点真情实感，这样听起来没有内涵，没有情节，即便旋律再好也会大打折扣。多看一看林夕的作品，王菲的流年是我认为他最好的作词。好的歌词要么有画面感，要么有想象感，就是能触及听者的想象出一种故事的情节，你甚至可以直接把自己的心情当做歌词写下来，当然也要修饰，注意押韵。多听一些经典的流行时间长的歌曲，有助于提高写歌质量，像林俊杰就十分有才，但网络歌曲要少听，那些歌曲都是重旋律轻歌词的，听多了就会写了。谱曲.在古典音乐里原本是没有编曲这个概念的，因为所有的作曲家都是自己写好了乐谱，规定了所有乐器的配合。但是随着时间的流逝，曲谱在演出中和日常的练习中被人们发现了更多的表现方法，这时候就出现了编曲，就是在不影响原曲主要旋律和内容的情况对乐曲的表现形式做了更多的拓展。编曲的领域及歌曲的特色价值 编曲的领域简单来说，是如何决定一首歌的精神风格，它的味道及乐器搭配的种类。换句话说，我们决定一首歌它是快歌、慢歌、摇滚歌曲，还是慢板的舒情歌曲，或是儿歌，这些构思想法有可能是最初我们在写词作曲时，就已经安排好的，这些元素也是早就被决定好的，也可经由编曲者加以发挥而更俱特色。另一种情形是当词曲创作人本身对编曲的观念不是那么重时，就需要一个编曲者来设想安排，设计出适合他们曲子的风范。假设一个不会编曲的人，是一个不会说故事的人，他尝试着告诉我们他发生的事情，但他不懂讲话技话没有组织能力，就会让听者觉得厌烦。如果是一个好的编曲者，我们就形容他是个会说故事的人，他就像是一个说演艺术家引导你进入他故事的主题，让你体会故事中的喜、怒、哀、乐，换成音乐的角度，他就是一个成功的编曲者，因为他有他的敏感度，及成功所俱备的要件。大家应该知道一首曲子如果没有经过编曲的修饰，是很容易被埋没的，一首毫无特色的歌曲，也很有可能在一个编曲者手里浴火重生，在老歌新唱里，我们就会发现这样的例子。一首歌的特色价值又该如何来认定呢？音乐和艺术是一样的，绘画上来讲不管是素描、山水画、油画只要能适度的表现出力与美，在感情的收与放都拿捏的很好，让听者产生共鸣，就称得上是上等的作品。不论长度段落只要是完整的呈现我们都说是上成的作品。由流行歌曲看编曲 现在就让我们真正进入编曲的境界。先锁定流行歌曲的范围，为什么针对流行歌曲？大概是国内演唱卡拉 ok 的风气非常盛行，大家演唱起来似乎都很有共鸣，我附带提到一点，为什么我们要学编曲？第一步我们拿到歌曲后，必先反复聆听，试着从歌曲中找寻所俱备的元素，从旋律当中找，从歌词当中抓，也就是说你能否把重点找出来，找到重点后，就能知道它的类型，构想在这些当中我们可适用的乐器又有哪些，如果是古典风格，当然是以弦乐为主角，如果是摇滚乐那当然是以电吉他为主，如果是民谣，那木吉他就是主角了。如果可以掌握这些重点，那一首歌的特色也就被我们掌握住了。编曲者的工作 现在我只是在编曲的外围与大家介绍，真正接触一个歌曲的核心问题，就是我们平常要做的功课了，例如流行歌曲里我们除了听它的主旋律它的歌词之外，我们有没有注意去听它的前奏它的尾奏，一首歌的前奏与歌词、曲、旋律之间所形成的关系是什么，是对比、是落差，还是相互呼应的感觉，乐器之间相互协调，段落与段落之间的处理，至于一首歌的高潮点，通常在 2/3 的地方，处理的方式恰当吗？反复的副歌是否重复太多次，这些大大小小的事项，决定歌曲的 style，安排乐器的种类，乐器间的协调，主歌副歌间奏它们的功能性质又是如何，这些都是编曲者的工作。编曲者需具备的能力 当然一个编曲者本身俱备的能力有很多，对乐理方面的知识，和弦的组成及熟悉每一项乐器的特色功能，再来是对每一种类型的歌曲编曲，都要能拿捏到那种气味。现在科技日渐愈益，在音乐上面我们也不落人后，利用电子合成的声音来取代乐器，当然最合宜的是两者并用，用不同的个性来处理不同的音乐形式，是最好的选择。最后想对大家大声疾呼的是，时下流行的音乐最能反应出人们生活上的情爱，不管是有心尝试作词作曲或是编曲，希望大家都能够去发觉创意它的美，在于它的一个原创性，如果能让聆听者觉得他的曲子、他的编法真的是让我欣赏的不得了，怎么从来都不知道一首曲子可以被编得这么好听，而这些东西都是在于原创性，原创性的曲，原创性的风格。在学习的过程中，有时候的模仿是可以被接受的，但如果在创作的过程中，我们模仿他人，这就不可能被认同了，做一首代表自己的歌曲，拒绝抄袭与模仿。(2)回复 1 楼 2011-08-18 16:41 举报|时代小驴 琴不自禁 6 幕后英雄 编曲是真正的幕后英雄，为人做嫁衣。老百姓通常只知道作曲，没几个人知道编曲是怎么回事，更何况好多情况下根本不打编曲的名字，是个非常不受重视的行当。可实际情况是，现在的流行歌曲的好坏，编曲的重要性有时可能要占到六成以上，完全可以主导一首歌曲的风格走向。当然，非常辛苦。有人一天可以编 20 多首曲，可是，要编好一首歌可能要花一周甚至更长的时间。三个月，半年，甚至一年编一首的例子屡见不鲜。写歌嘛，是个人都能写，随便哼哼就算一首歌，当然好坏单说。编曲嘛，一百万个人里可能找不到一个会编曲的。决不是危言耸听。在现代音乐中，特别是流行音乐中，作曲和编曲往往是两个人，因为很多作曲者只有对旋律的把握和灵感，而编曲者对于怎样体现这个旋律有着更多的技巧。学电脑音乐，除了应具备电脑知识外，最重要的就是音乐知识了。初学者往往对此摸不着头脑，其实它也是有矩可循的。我们在听音乐的时候，为什么能感觉到有各种风格呢？这就是编曲的作用了。一首歌曲无非有四部分组成：主旋律、低音、和声节奏。这也就是乐队一般由四个人组成的原因。由吉他手担当旋律或和声，贝司手作低音，键盘为旋律、过门及和声，架子鼓掌握节奏。一首音乐作品编配的好坏直接关系到音乐的表达。如果说音乐的骨架是节奏的话，那么音乐的肉体就是和声了，可见和声的作用是多么重要。和声说白了就是和弦。目前知道的和弦有上百种，我们如何才能使用好它们，就是和声学的目的。传统和声学中常用罗马字母、来表示和弦的性质，这里有它的优势，就是可以不分什么调，但看起来不大方便，因此我们不采用这种方法，我们用比较好懂的吉他和弦符号来标记，如 C、D、E、F、G、A、B。注：在你学习以上内容时请先学习一下和弦的定义。如：C 表示大三和弦，Cm 表示小三和弦，C7 表示七和弦等等。我们在给一首歌配和弦时，应先分析一下歌曲的风格、调式、调性，这样我们能够掌握歌曲的总体。一般来说：如果歌曲为大调歌曲（歌曲结尾在 1 上为大调歌曲，在 6 上为小调歌曲），我们应该在歌曲的第一和最后一小节配上主和弦，如在 C 大调中我们配 C 和弦。而在歌曲的倒数第二小节陪属（七）和弦倒数第三小节陪下属和弦。但这只是一般规律，具体配什么和弦还得是组成音而定。另外，就是关于和弦密度的问题，到底一小节配多少和弦才算合适呢？一般说来，它主要取决于歌曲的速度，较快的歌曲和弦变换不要过快，这样容易引起歌曲浑浊的感觉；相反，速度较慢的歌曲应把和弦配的活跃一些，这样使别人感觉有新意。当然这也是一般性规律具体问题具体分析。下面谈谈和弦的选择：和弦有那么多种，如何才能从中挑出合适的和弦呢？最基本也是最重要的一点是要满足组成音的要求，只有旋律与所配和弦协和才好听。我们下面提供几条原则供大家选择：要以强拍上的音为先，兼顾弱拍。所谓强拍是指小节中的第一拍（和第三拍，在四拍中）（和第四拍，在六拍中）。例如：1 12 3 4|此小节可配 C 和弦，弱拍上的音可做为经过音不与考虑。尽量以每拍第一个音为先。如：1 12 3 34|此小节可配 C 和弦。以整小节中出现的最多的音为准。如：33 35 6 35|此小节可配 C 和弦。要考虑所选和弦的功能性。例如：2 21 21 23|5-|我们给第一小节配 D（D7）和弦，第二小节配 G 和弦，使得 D 和弦强烈倾向 G 和弦得到满足。注：一般说来和弦中四五度倾向最好，它使得音乐一直发展下去，其次是三六度倾向，第三位是二七度。可以得出这样的结论，尽量使用四五度关系的和弦。以下给出了四五度关系倾向表：C-F-B-E-A-D-G-C 上面只给出了关系倾向，再实际运用中可以把它们换成相应的小和弦，七和弦，五和弦（去掉三音的三和弦），六和弦（在五音上加一个大二度音）等。但需要说明的是以上规律只代表一般，应该活学活用。回复 2 楼 2011-08-18 16:41 举报|时代小驴 琴不自禁 6 其实音乐也是一个灵感问题，有时大脑中会突然冒出一些想法。和弦编配的好坏只有在歌曲中才能体现出来，就让歌曲本身来评判吧！以上介绍了编配和弦的一些规律，其实和声有了，低音自然就出来了，一般说来，低音由和弦根音担当，这样可体现和弦的性质。至于节奏方面鼓和镲是经常使用的打击乐器，它们是整个音乐的骨架，也是他们体现着歌曲的节奏。总之，编曲是一件很难的事情，真正学好它非常不容易，这就要求我们不断的在实际中应用、创新，因为没有创新，任何事都不会发展 为旋律配和声的一般程序 在大小调和声中，I、V、IV 三个和弦习惯上叫做正三和弦，是构成各类和声序进的基础。掌握了原位正三和弦的使用方法之后，就可以进入为旋律配和声的课题了。正三和弦的变化形式以及其他的和声材料，将在配和声的实践过程中逐步地加入。为旋律配和声的一般程序是：1.旋律分析 通过分析，明确旋律的调、调式和简单的曲式结构。2.和弦选择 确定从旋律开始至结束的每一个音的和弦配置。这并不意味着必须按音符的先后次序去选择和弦。人们通常是首先在旋律的开端、乐句的结束，以及那些最富于和声暗示的旋律片断上开始工作。这些部位的和声设计，有似于一个建筑物的骨架，会产生全局性的影响。骨架搭好之后，再根据已有的和声条件，去为那些尚未有明确选择的“中间地带”作和声填充。和弦选择，是为旋律配和声的最重要的、同时也是最困难的一个环节。一个旋律音往往可能有多种选择，随着学习进程中和声材料的积累，这个问题会越来越复杂。与和弦选择直接相关的，还有和声节奏、和声风格等方面的问题，必须花大力量加以解决。3.低音设计 低音是四部和声的“第二旋律”，应力求流畅、完整和富于个性。低音线条必须在和弦选择方案所规定的范围内活动，同时还要受到教学进度的严格限制，但这正是锻炼自由写作能力的有效途径。适当的跳进（不超过八度）可以增添线条的活力，但不宜使用同一方向的连续跳进（以四、五度分割八度所构成的同方向跳进不在禁止之列）。例 49。4.填写内声部 平稳、流畅，是四部和声两个内声部进行的基本原则。此外，还必须考虑到和弦音重复与省略的正确性，合理的排列，声部的音域限制，避免各种不良的进行（平行八、五度，声部交叉，声部超越，四部同向）等问题。有时候，往往会因为某一声部进行上的困难，而不得不对已有的低音设计、和弦选择方案作局部的甚至是较大范围的调整。二、书面习作示范 课题：用原位正三和弦为旋律配和声。指定的旋律：例 50（a）1.旋律分析结论 C 大调；单乐句的完整乐段；音乐内涵提示，和声节奏宜与旋律同步（即一音配一个和弦）。2和弦选择分三步完成第一步，确定终止和旋律开端的和弦配置。终止处 BC 音宜用VI 的正格进行；旋律开端的 C 音虽有配置 I 或 IV 的两种可能，但开宗明义地显示 I 更理想。第二步，为那些只能有一种选择的音确定和弦，这也是提示旋律和声内涵的一种方式。在只使用三个正三和弦的条件下，所有的 D 音只能作为 V 的五音，E 音只能作为 I 的三音，F 音只能作为 IV 的根音。于是，绝大部分旋律音的和声配置，都已经确定下来了。第三步，为唯一存在两种选择的第四小节的 C 音确定和弦。C 音可以是 I 的根音，也可以作 IV 的五音。但是，前一小节最后的和弦是 I，若此处再用 I，就会因为弱拍上的和弦在随后的强拍重复而形成和声的切分节奏，这显然不是好的选择。若用 IV，与后面的 VI 结合成复式正格进行，更有利于音乐的完满结束。由此便可确认，C 音配 IV 为宜。回复 3 楼 2011-08-18 16:41 举报|时代小驴 琴不自禁 6 上述三个步骤可列图如下:例 50（b）3.根据和弦选择设计低音 本课题限定用原位三和弦配置，所以，和弦确定后，低音的音高类别也就随之确定下来。我们能够做的，仅仅是某一音高不同八度的选择。即使是这样，仍然有可能将低音线条写得完善一些。下例是经过选择的几种方案之一。低声部与旋律多呈反向进行，它自身也有一定的线条起伏。4.内声部填写几种方案的比较可全部采用密集排列、重复根音的声部构成。此方案的音响效果和声部进行都比较理想，但次中音声部音区偏高，是美中不足。例 52 若一律采取开放排列，次中音声部偏高的问题虽获解决，但一开始就出现四部同向和低音声部第三拍上的声部超越，亦使人感到不够完美。例 53 经过综合调整后的下列方案，也许是可以让人接受的。开始的两个和弦用密集排列，V 和弦重复五音，以下的进行用开放排列。例 54 习作示范，并不为了提供某一命题的标准答案，而仅仅是希望通过这样的程序，来讨论一些有关四部和声写作的方法问题。实践中，好的方法并不仅此一种；即使是在同一方法的支配下，引出多种的合理结果亦是可能的。作曲技术理论的学习，一定要避免呆和僵化。三、键盘和声音型柱立式 一比一 四部和声键盘化的练习，是循序渐进地锻炼键盘即兴伴奏一条有效途径。键盘化的实质是音型化，就是将根据人声合唱要求编配的四部和声，改变成适合于某种键盘乐器演奏的音乐织体。键盘织体的核心是和声音型，是由节奏和音高组合而成的多声部音乐元素。键盘化的和声音型的形式极丰富，一般可划分三大类别：柱立、分解式、和声华彩。本只介绍柱立式、一比一。柱立式，指的是个弦的全部因素在键盘上同时奏出和声音型。音响本身，其实并不存在“立”或“卧”的区分。“柱立”，是对这种声音型记谱样的形象表述。一比一，是关于音型节奏的概念，意为一个弦只占据一个节奏单位。将四部和声改变成“柱立状、一比一”音型的主要任务，是把四个声部合理地分配给键盘乐器的左右手。最方便的形式是左手弹奏低音声部，其他三个声部由右手负担。为此，所有的弦都必须用密集排列，以便于右手弹奏。由此而可能出现的任何“不良进行”，都可以不必计较。下面是按“柱立式、一比一”音型改造过的本章示范习作。例 55 如果出于音乐的需要，而且演奏上也有把握时，还可以为低音和旋律声部分别地或同时地增加八度重复，由此可获得更丰满的音响。这样的重复，不属禁用的平行八度之列。例 56 “柱立式、一比一”音型，还可以用琶音来装饰。这种形式能清晰地展示和弦的音高构成，宜用于较抒情、清新的旋律陪伴。和声基本知识 关于和声基本知识的一些资料，适合音乐入门及和声提高，推荐。想了解的朋友支持一下吧！1.大小三和弦、大小调中的主、属、下属和弦 西方古典音乐体系的和声基础是三和弦，三和弦又以大小三和弦为最基本。三和弦是由三个音组成的，分别被称为根音、三音和五音。而和弦的性质，则是由根音、三音和五音之间的距离(及音程)，来决定的：根音和三音之间是大三度，三音和五音之间是小三度的，被称为“大三和弦”。回复 4 楼 2011-08-18 16:41 举报|时代小驴 琴不自禁 6 根音和三音之间是小三度，三音和五音之间是大三度的，被称为“小三和弦”。西方古典音乐(从 16 世纪以后)，是以大小调为主的。大小调都各有三个最主要的三和弦：主和弦，属和弦和下属和弦，分别是调内的 i 级、v 级和 iv 级。我们看到，大调的主、属、下属是大三和弦。小调的主、属、下属是小三和弦。作为小三和弦的小调属和弦，当进行到主和弦时，感觉缺乏力量。原因是小调的 vii 级，到i 级是大二度，没有向 i 级的强烈倾向。而大调的 vii 级和 i 级之间是小二度关系，有强烈的倾向。因此，西方传统和声，常常把小调的 vii 级音升高半音。升高后的 vii 级音和 i 级和大调一样，是小二度关系，被称为“导音”，(大调的 vii 级亦被称为“导音”)这样，小调音阶中的 vii 级就被升高了。这种小调音阶，vi 级和 vii 级间是增二度，被称为“和声小调”。vii 级没有升高的，被称为“自然小调”。这两种小调，在现代流行音乐中，都被广泛运用，而在西方古典音乐中，和声小调占绝对优势。西方传统和声是建立在这样的进行：由主和弦开始，经过下属和弦，到属和弦，最后解决到主和弦上的。这个进行是西方传统和声的基础，所有的其它和声进行，都是这个进行的扩展和补充。其中，最重要的原则是：下属不能直接接在属之后，这被称为功能倒置。这是因为，西方古典音乐是建立在一种美学体系，及力量不断增加，最后解决的美学体系基础上的。属后直接接下属，被认为是解决到主和弦之前的力量衰减，因此不被接受。但现代流行音乐中，这种限制完全被打破。我们的第一个和声公式：i-v-iv-v，后面可以接 i 级，或其它可以接 v 级的和弦。(其它可以接v 级的和弦将在以后介绍。)注 1：“大小三和弦”是指和弦的性质，及这个和弦的特性是什么。而“主和弦，属和弦和下属和弦”是指和弦 的功能，及在大小调中起什么作用。“i 级、v 级和 iv 级”是和弦根音的音级，及和弦根音在音阶中所占的位 置。2.增减三和弦和大调中的副三和弦 西方传统和声体系中，除了大小三和弦外，增减三和弦也是很常用的。增三和弦是由两个大三度叠置而成。减三和弦是由两个小三度叠置而成。在大小调中，除了主、下属和属以外，其他音级上的副三和弦也是很常用的。大调上的副三和弦的性质分别为：ii 级：小三和弦。iii 级：小三和弦。vi 级：小三和弦。vii 级：减三和弦。ii 级三和弦，由于和 iv 级三和弦有两个共同音，有下属的功能倾向，因此被归为下属和声组。vi 级三和弦，由于和 iv 级三和弦有两个共同音，有下属的功能倾向，因此也被归为下属和声组。然而 vi 级三和弦，同时和 i 级三和弦也有两个共同音，因此也有主的倾向，因此有时在属到主的进行中，用来代替主和弦的位置，被称为“阻碍终止”(因为它并不是真正的终止，感觉上象被 vi 级和弦从中间阻住了一样。)iii 级三和弦是一个较少用的和弦，它具有 i 级和 v 级的双重功能(因为它和 i 级、v 级之间，各有两个共同音)，作为 i 级的运用：i-iii-iv。回复 5 楼 2011-08-18 16:41 举报|时代小驴 琴不自禁 6 在这个例子中，为什么说 iii 级是具有 i 级的功能呢？因为它可以被 i 级 7 和弦代替(关于 7和弦，后面有详尽的论述)，而效果和用 iii 级三和弦及其相似。我们也可以把 iii 级作为 v 级到 iv 级间的桥梁，因为西方古典音乐是不允许 v 级直接到 iv 级的连接的。vii 级三和弦和 v 级有两个共同音，它属于属和声组。vii 级三和弦由于是建立在导音上的，因此也叫“导三和弦”。现在我们把四个副三和弦加到我们的 i-iv-v 进行中：i-vi-iv-ii-v-i。这是最常用的和弦应用顺序，也是最符合人们听觉习惯的。(人们不大颠倒其中 vi 和 ii 的顺序，尽管它们都属于下属和声组。)但这一和弦功能序进，可以简化和代替，如可以变成：i-vi-iv-v,或者 i-iv-ii-v，及更常用的 i-ii-v，或 vi-v，i-vi-ii-v 等，后面可以跟 i 级或者接其他的可行连接。(其他可行连接将在后面介绍。)这其中的 v 级也可以被 vii 级或 iii 级代替。v 级之后可以接 i 级，也可以接具有双重功能的 vi 级，变成：i-vi-iv-v-vi。vi 级后面可以接上述所有能接在 vi 级后的和弦公式连接片段。比如这两个功能连接都是很好的：i-vi-iv-v-vi-v-i，i-iv-v-vi-ii-v-i。请注意这一和声公式：i-vi-iv，这是西方流行音乐中最常用的和声公式之一。3.小调中的副三和弦及关系大小调、同名大小调之间的关系 自然小调上的副三和弦的性质分别为：ii 级：减三和弦。iii 级：大三和弦。vi 级：大三和弦。vii 级：大三和弦。其中 ii 和 vi 级的功能和大调类似。vii 级由于是大三和弦，不具有导向 i 级的性质，因此更倾向于作为它关系大调的属和弦。(关于关系大小调，将在这一节的后面介绍。)iii 级和弦，由于有很强烈的关系大调 i 级的属性，更多地被用来作为向关系大调的转换。和声小调上的副三和弦的性质分别为：ii 级：减三和弦。iii 级：增三和弦。vi 级：大三和弦。vii 级：减三和弦。iii 级由于有导