大学生音乐欣赏ppt课件音乐的种类.pptx

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1、本章本章导读音乐的分类方法有很多，不同的标准会有不同的分类，比如按声部和声部状况就可以分为:单声部音乐只有一个旋律的乐曲如无伴奏的独唱、独奏、齐唱等；复调音乐是在和谐的前提下,几个曲调参差进入,它们既相互配合又独立发展的一种乐曲,复调音乐在巴赫手中,达到了高度完美的境界；主调音乐是指一个声部演奏主旋律，其余声部用和声给主旋律伴奏的一种音乐。本章的分类没有涉及到很细的音乐形式的划分，比如流行音乐的种类有许多，这里就没有一一列举。这一章所给出的音乐的分类主要是从音乐的表现方法，不同的分类入手，力求宏观上给大家一个认识。学学习目目标1.了解音乐分类的划分标准。2.掌握不同种类音乐的特点和风格。第第

2、一一 节节声乐和器乐声乐和器乐声乐是由人声演唱为主的音乐形式。声乐作品从演唱的形式来看，有如下几类：1.合唱其中又有混声大合唱、无伴奏合唱、女声小合唱、男声小合唱、童声合唱等。2.齐唱常见的有男声齐唱和女声齐唱等。3.重唱其中有男声四重唱、女声二重唱、男女声一重唱等。4.独唱有男声独唱、女声独唱、童声独唱等。声乐作品从演唱风格上看，可分为以下几种：1.美声唱法这是一种以意大利民歌唱法为基础的科学演唱方法，其音色宏亮、透彻，适于表现严肃的、戏剧的、重大的内容。长期以来，演唱艺术歌曲、歌剧、清唱剧等均采用美声唱法。2.民族唱法以本民族传统的民间唱法为基础的演唱方法，如中国各种戏曲的唱法、各种说唱音

3、乐的唱法、民歌唱法、印度民歌的唱法、日本民歌的唱法等，早已形成自己独特的发声、行腔、咬字等方面的理论和规律。3.通俗唱法基本上是属于用本嗓演唱的风格。它的风格可以有多种：有抒情风格、民歌风格、乡村音乐风格、校园风格、摇滚风格等。近年来，三种唱法有逐渐靠拢的趋势。帕瓦罗蒂常常与流行歌手一起举办音乐会；各个民族的演唱方法都吸收了一些美声甚至通俗的演唱方法；通俗歌手们由于没有一种统一的演唱方法，并且它的风行时间短，歌曲风格多样化，使得它不得不向美声和民族唱法学习。声乐的伴奏，可以用钢琴、手风琴、小乐队乃至管弦乐队。不同的伴奏的选择，与音乐的性质有关，比如声乐协奏曲应尽量用管弦乐队，小乐队就无法承载如

4、此大的分量；女声小合唱，因为它具有轻巧抒情的性质，所以采用管弦乐队就像大炮打蚊子，不相匹配，用手风琴或钢琴倒是很适合。当然用什么伴奏还要根据现有的条件来安排。欣赏声乐作品的时候，应注意从两方面去欣赏：一是欣赏歌曲的美感方面，其旋律的起伏发展，线条的优美，节奏的铿锵或疏缓，伴奏的配合是否适当等；一是演唱者的表演方面，是不是很准确地把握了作品的精髓，音准、节奏、表情等因素是否掌握得恰当，尤其是嗓音的音色是否漂亮、具有嘹亮金泽或抒情婉转的特色。器乐作品是用乐器演奏的音乐。从器乐的演奏形式上来看可以分为：独奏、重奏、齐奏、合奏等，其中根据各种乐器又分为吹、拉、弹、打等几类。从音乐的理解上来看，器乐作品

5、比声乐作品难度大：歌曲有歌词以帮助理解，而器乐最多只有题目可以提示欣赏者，往往这个题目还不说要演奏什么，有时与内容并无很大关系。声乐作品的旋律与器乐旋律明显不同。声乐作品的旋律音域比较窄，旋律多呈流畅的、气息较长的线条。旋律中具有音阶化，很少有大跳，很多乐器具有宽广的音域和非常方便的演奏技术，如钢琴从低到高有88个音；小提琴常用音域有四个八度；长笛的音域有两个八度。因此器乐的旋律除可演奏歌唱性的旋律外，还可以有跨度很大的跳进和速度很快的短小音符等技巧性线条。各种乐器在发展过程中产生了各自独特的演奏技巧，这些演奏技巧为乐曲意境的表现起到很大的作用，同时也显示了音乐家们聪明的才智和高超的艺术水平。

6、在大型协奏曲的华彩段落，或像练习曲、托卡塔等体裁中都有意地为演奏者炫耀演奏技巧留下很大的空间。第第 一一 节节单声部音乐与多声部音乐单声部音乐与多声部音乐单声部音乐是音乐萌生的初始形式。当音乐产生以后，人们起初并没有任何乐器可以利用。人声是最方便、最原始的“乐器”。很长一个历史时期，音乐一直保持着单一声部的形式，甚至一个人歌唱，无伴奏，无伴唱。现在仍有些地区(如我国的陕北、晋西北)存在这种原始、纯朴、无拘无束的演唱方式。虽然后来有了合唱、伴奏，但是音乐的性质还是单声部音乐所有伴奏、伴唱都与主旋律基本保持一致，是大齐奏，大齐唱。中国音乐直到19世纪末，都是基于单线条的思维。这一特点，存在于几乎所

7、有中国传统艺术形式中，但是西方早就发生了变化。9世纪左右，西方音乐就进入了复音音乐时期，各个声部演唱着不同的线条，“奥干奴姆”就是复音音乐的雏形。当然，这种线条思维经历了漫长的发展阶段才发展成为成熟完善的复调音乐。后来的尼德兰乐派，对位技巧极度复杂、声部空前地增多(沃克该姆的一首“感恩颂”中声部竟然达到36个)，把复调音乐发展到了高峰。声乐是当时主要的、压倒一切的体裁，可以想象到哪怕是十个声部演唱不同节奏的旋律，歌词简直是一团糟，哪个声部都无法听清楚。16世纪，帕列斯特里那对复调音乐进行了改革，他使用了各个声部同节奏的形式，也就是和弦式的织体，这样的织体用以表达庄严一致，抛弃了个人表现的宗教情

8、绪。17世纪，西方音乐的思维发生了根本性的变化，伴随着文艺复兴运动席卷欧洲，歌剧艺术得到了极火的繁荣。在歌剧艺术中，为了寻求古代的简朴风格，建立了主调音乐体系，使旋律彻底地与其他声部分离。这时音乐已经简化为旋律和和声伴奏织体两大部分。18世纪的巴赫、亨德尔、拉摩、斯卡拉蒂直到海顿、莫扎特、贝多芬等人把主调音乐发展到了成熟的地步，功能和声已经成为那个时代音乐的特征。20世纪初，一批有志于振兴中华的年轻人奔赴国外，或去日本，或去资本主义发达的西欧，他们学成归来时不但带回了救国救民的好主张，也把国外音乐文化的精髓引进来了。大小调体系、功能和声包括多声部立体化的音乐思维，着实把我国的音乐思维进行了一番

9、彻头彻尾的改造。第第 三三节节有调性音乐与无调性音乐有调性音乐与无调性音乐在19世纪末以前，大小调体系统治了西方音乐两百多年。欧洲的中世纪音乐，其音乐的组织是教会调式体系，亦即在自然七声音阶之上，任何音都可以担任主音，所以也称“自然调式体系”。到文艺复兴时期之后，大小调体系渐渐占据上风，成为作曲的基础和依据，巴赫的作品就把大小调的使用推到了前所未有的高峰。在古典乐派的海顿、莫扎特、贝多芬等人和浪漫派的诸多作曲家的不断开拓下，大小调功能和声越来越完善，到了瓦格纳、德彪西以及他们同时代的作曲家手里，频繁不断的转调使得调性中心的存在都成为不可能的事，和声结构越来越难于被简化为某种韵律的格律，和弦的堆

10、砌失去了它的引力，不协和的和弦如减七和弦、九和弦的解决变得没有意义，总而言之，调性和调式日趋瓦解、崩溃，作曲家们日益感到在调性音乐的局限下无路可走，大小调体系终于走向了末途。这个时候，勋伯格创造出了十二音体系。它的出现，促进了有调性音乐的急剧崩溃。勋伯格的十二音体系的原则是：以十二平均律为基础，首先写作出没有重复的十二个音组成的原始音列，其中任何一个音在其他十一个音没有呈示完之前不得出现，然后将这个原始音列进行各种变形作为发展：可以将原始音列移高或移低；也可将原始音列逆行、倒影、倒影逆行以及将它们移位。在这里，没有一个音可以得到强调，没有一个音是主要的，每个音都是在“法律面前人人平等”的原则下

11、进行。其多声部的纵向结合也避讳类似三和弦、七和弦那样的结构，各个声部的碰撞很可能是偶然的，音乐音响的紧张度的控制也不再是以前不协和到协和、不稳定到稳定的进行。无调性音乐在20世纪的发展是多种多样的，比如50年代的具体音乐、电子音乐等，其中都受到十二音音乐的多多少少的影响。第第 四四节节标题音乐与无标题音乐标题音乐与无标题音乐为什么歌剧、歌曲听起来比器乐曲容易理解?这是由于歌剧、歌曲有剧本、歌词及其标题的提示。而器乐曲往往没有更多的文学性提示，经常令欣赏者感到束手无策，对音乐的形象和内容没有把握。器乐曲也有容易理解的，如梁山伯与祝英台等，这些乐曲的曲名不同程度地为我们提示了乐曲所要表现的内容和所

12、要描绘的形象，这样的音乐就是标题音乐。有些标题音乐还由作者在乐谱上用文字注上说明，比如伯辽兹的幻想交响曲的副题是一个艺术家生活中的一个插曲，除此之外，还写有一大段文字。标题音乐是浪漫主义音乐的特征，它也是作为无标题音乐的对立面而出现的。就像电影经过了无声电影到有声电影的历史，音乐也经历了从无标题音乐到标题音乐的一个发展过程。西方音乐史上古典乐派以及以前的音乐基本上属无标题音乐，其曲名大多数为大调第交响曲、小调第协奏曲之类的题目。贝多芬于1807年到1808年间所作的田园交响曲开了19世纪标题音乐的先河。伯辽兹继承了这一传统，但是音乐的结构方面没有大的突破。1890年之后，匈牙利作曲家李斯特创造

13、了一种新的体裁交响诗，这种体裁能够允许标题音乐充分地发展，他的思想被后来的许多作曲家追随，并且尝试更加具有描写性、写实性音乐的写作，形成了标题音乐的创作高峰。需要特别提到的是，民族乐派正是标题音乐在不同的民族、国度用以表达民族感情、爱国主义思想和树立民族个性的产物。因而，19世纪末，标题音乐就形成了两大支流：强国(德、奥、法)作曲家的“世界性音乐”和弱国(捷克、挪威、俄国、西班牙、芬兰等)作曲家的以民族风格为特点的“民族音乐”。李斯特说：“标题是加在纯器乐作品之前用通俗的语言写成的前言。作曲家用这种标题来预防听众对自己的作品做出不着边际的任意的解释，事先指出作品的构思，把听众引导到构思中的最主

14、要的因素中去。”标题音乐的内容是多种多样的，它大致可分为两种：描绘性的标题音乐(如音画、音诗)和戏剧性的标题音乐。标题音乐的写作特点可以表述为随着历史的发展从表面(客观)到心理(主观)的描写的发展趋势。很早以前，作曲家基本上是模仿大自然的声音或身体的移动动作等方面；后来情绪和情感通过动作或声音渗透到音乐中来，比如用颤音描写痛苦、用坚定的节奏描写信心、用音阶的下行表达哀伤等；到了浪漫主义时期，作曲家们表现出重内容、轻形式、重主观、轻客观描写的特点，配器法和管弦乐队的完善也使得模仿客观声音的可能性大大增加，雷斯庇基甚至在他的罗马的松树中用录音机播放真正的夜莺的声音。第第 五五节节严肃音乐与通俗音乐

15、严肃音乐与通俗音乐曾几何时，严肃音乐与通俗音乐的争论热闹了很长的时间。热爱严肃高雅音乐的人们，对流行音乐嗤之以鼻，不屑一顾；而嗜好摇滚音乐和流行音乐的人们，却又把古典音乐视为古板的、落后于时代、故弄玄虚的东西，不予理睬。其实，这两种观点都失之偏颇。一般说来，严肃音乐与通俗音乐是相对的两个概念：严肃音乐(或称艺术音乐、古典音乐、高雅音乐等)是具有较深的音乐思想和内容，以及较复杂的音乐作曲、演奏技巧的音乐，它大多用管弦乐队演奏；通俗音乐特指内容浅显易懂、旋律优美动听、节奏清晰明快、规模较小的音乐，其中有用管弦乐队演奏的，有用电声乐队演奏的。这些概念随着时代的变化也在改变。今天听起来节奏缓慢、格调优

16、雅的小步舞曲，在17、18世纪时却被认为有失高雅而不予以接受；有些曾经被认为深奥难懂得音乐，现在由于广泛地流传而变成通俗的音乐。音乐内容和形式经历了从简单到复杂，从通俗到高雅的漫长过程。在人类已经进入高级文明的今天，人们仍然没有摈弃那些浅显的、简单的、通俗的艺术形式，而是深浅相兼、高低并举、雅俗共存。究其原因有三：(1)任何时代、任何国家民族所呈现的文化知识结构，总表现为由低到高、多层次的金字塔形的结构，这里中、低层是大多数。(2)由于人们的环境条件、生活经历、阶级地位、民族状况、社会实践、个性差异、兴趣爱好和物质基础等方面的原因，在选择自己的精神生活方式时具有不同的审美趣味。(3)通俗音乐本

17、身由于其紧凑的节奏、通俗明了的语言、短小的体裁、强烈的打击乐、新颖的演唱演奏风格等，表现出时代生活的特点，而被年轻人深深地喜欢。通俗音乐，包括歌舞剧选曲、管弦乐小品、器乐独奏小品、影视戏剧音乐、抒情歌曲、舞曲、爵士乐、摇滚乐等。比如斯特劳斯的圆舞曲、詹姆斯拉斯特的轻音乐、克莱德曼的钢琴小品，雅尼的乐队音乐、流行歌星演的各种歌曲等这些音乐容易被人们接受、理解，无疑成为人们辛勤劳动后消除疲劳或茶余饭后陶冶性情的精神调节剂。所以说，无论严肃音乐还是通俗音乐都是人类艺术宝库中的珍宝，根据不同的场合，我们应该选择自己喜欢听的音乐，这是无可厚非的。应该注意的是，音乐作为人们的精神产品，其艺术含金量有高有低

18、，应加以区别，择优欣赏，并且在日积月累中不断提高自己的欣赏水平。学学习目目标通过本章的学习，大家一定对各种音乐形式有了一定的了解，要知道音乐形式本身并没有高低贵贱之分，每一种音乐都有自己独特的特点和优势，有它存在的空间和意义，在实际鉴赏学习中，大家可以根据各自的爱好选择自己喜爱的音乐，当然也只有从宏观上把握了各种音乐的表现方式和表现风格，我们才能更加全面的了解我们自己钟情的音乐。正所谓“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”。扩展展阅读流行音乐的分类与特点1.爵士乐在众多流行音乐中，爵士乐是出现最早，并且是在世界上影响最广的一个乐种。爵士乐形成于新奥尔良。可以说爵士乐就是美国最有代表性的民间音乐。爵

19、士乐的音乐特点：摇摆(听众有摇摆的欲望)；即兴，围绕一个音乐框架尽情发挥；个性化的声音，苍劲有力。爵士乐演奏乐器：钢琴、小号、萨可斯、长号等。我们知道，美国黑人的祖先在非洲。从1718世纪西方殖民主义者，将大批非洲黑人贩卖到美洲成为那里白人的奴隶之后，他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余，黑奴们怀念故乡和亲人，常常唱一种哀歌，以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教歌曲中。由于蓝色在美国人民中，被看做是忧郁的色彩，这种悲哀的歌曲，也就统称之为Blues(蓝色)。中国音译之为“布鲁斯”。我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名，如蓝色狂想曲、蓝色的探戈、蓝色的爱情等，它们更

20、准确的译法应该是忧郁狂想曲、忧郁的探戈、忧郁的爱情爵士乐的另一个起源，是来自一种叫“拉格泰姆”的钢琴音乐。“拉格泰姆”是Ragtime这个词的音译，词意是“参差不齐的拍子”，故又称为“散拍乐”。扩展展阅读它也是从非洲民间音乐发展而成。19世纪末，一个名叫司科特乔普林(Scott Joplin,18691917)的黑人钢琴手，创造了一种新风格的钢琴音乐：右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。一般 4/4拍乐曲，一、三拍为强拍，二、四拍为弱拍，而他在高音声部每一拍半、即三个八分音符时，就出现一次强音，而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏，一、三拍为低音强拍，二、四拍为和弦、弱拍

21、。这样左右手形成交错的节拍，使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣，由于这一创造，乔普林被人们誉为“拉格泰姆之王”。那“爵士”这个名称又是怎么来的呢?说法也是多种多样的：有人说Jazz这个词，是从非洲土语Jaiza演变而来，这个词原意思是“加快击鼓”；另一种说法是：早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了，都叫他Jas,后来一传再传，就变成了Jazz了；还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。而这个Chaz是20世纪初，美国密西西比州威克斯堡市某个伴舞乐队中，一个名叫查里华盛顿鼓手的名字。这个鼓手当时在演奏上负有盛名。每当他演奏得十分精彩时，人们就向他欢呼：“Now,Chaz！

22、Chaz！”。此外，还有其他一些传说。扩展展阅读但是早期在爵士音乐界没有人比路易斯阿姆斯特朗(Louis Armstrong,19001971)更出名的了。他生在新奥尔良的一个贫民区，小时候在街上卖过报，当过小工。由于贫困，他没有机会接受正规教育，但是 在街头上、公园和有钢琴手演奏的餐馆里传出的爵士音乐，对他产生了极大的吸引力，他自己学会了演奏小号。1922年，他参加了金奥利弗的乐队，常和奥利弗一起表演小号二重奏。阿姆斯特朗那独特的艺术风格和高超的小号演奏技巧，征服了许多听众。早期的黑人爵士乐师多不识谱，演奏时只是凭着灵感，对所熟悉的曲调自由地进行变化，所以带有很强的即兴性质。由于人数不多，三

23、五个乐手经常在一起合作，时间久了，彼此之间也就自然地形成一种默契。但是，到埃林顿乐队出现，这种情况就开始改变了。杜克埃林顿(Duke Ellington 又名爱德华肯尼迪Edward kendedy，18981974)是将爵士乐领向摇摆乐的一个关键人物。埃林顿的父亲是白宫的一名黑人厨师。父母都喜爱音乐，埃林顿在他们培养下，成为一名爵士钢琴家。是他第一个采用管乐加弱音器演奏的技法，这一创造，使得管乐器增加了多种音色(如咪咪哇哇声)，听后使人有置身于非洲大自然的森林中之感，故人们称 之为“丛林风爵士”。扩展展阅读埃林顿不满足于少数几个人在那里演奏，他把乐队编制搞得越来越大，各种乐器，像萨克管、单簧

24、管、小号、长号等，都已不再是单件乐器在那里演奏，而是形成了乐器组，加上众多的小提琴和其他乐器，组成了庞大的舞坛乐队。其音响更大、音色更美、表现力也更加丰富了。因此吸引了许多受过正规音乐教育的演奏家、作曲家纷纷加入他的乐队。于是，爵士乐从单纯的伴舞音乐，发展成像严肃音乐那样，供人们静下来欣赏的音乐，甚至进了音乐厅。爵士乐的这一变革和发展，引起了美国各方面人士的兴趣。1923年冬天，纽约“皇宫乐队”领班保罗怀特曼找到作曲家格什温，说他想举办一次别出心裁的音乐会，其中有一个能让听众大吃一惊的压轴节目，就是把爵士乐和交响乐糅合在一起，并请格什温帮他完成这个计划。格什温是一位音乐革新者，对这一计划颇有兴

25、趣。他从1924年元月开始动笔，仅仅花了一个星期的时间就完成了。由于里面主要用的是“布鲁斯音阶”和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦，故将所作曲子取名为布鲁斯狂想曲(Rhapsody in Blue)，在我国译作蓝色狂想曲。也是由于埃林顿对爵士乐队的改革才孕育并促成了30年代摇摆乐(Swing)的诞生。扩展展阅读2.摇摆乐从30到40年代，大型爵士乐队风行美国。由于他们演奏的舞曲曲调动听、活泼节奏鲜明，又有很强的艺术性和挑逗性，听到这种音乐，人们不禁会随着它的节奏和韵律，扭摆着身子翩翩起舞。故人们称之为Swing。Swing这个词的意思是“摇摆”。在我国称之为摇摆乐。这种大型爵士乐队的演奏，

26、不仅出现在娱乐场所，他们也进军到了好莱坞。当时美国许多故事影片里都有他们的身影，甚至有的影片就是以某个大型爵士乐队的活动为主题或请来著名歌星，影星与之合作，编成的故事。例如大家熟悉的美国故事片出水芙蓉就是一例。它是由“美国小号”亨瑞杰姆斯和著名影星伊莎威廉斯合作演出的。从影片中，观众能欣赏到亨瑞杰姆斯领导的爵士乐队演奏的多首名曲，领略到这位小号手高超、神奇的演奏技巧。由于爵士乐队很多，风格各异，因而产生了不少新的流派。其中最著名的有比-波普爵士、甜美爵士和冷漠爵士。比-波普爵士是40年代中期，由约翰伯克斯吉莱斯蒂和查里帕克共同创立的。吉莱斯蒂是一名爵士小号手，擅长快速演奏。他常常在演奏中，突然

27、变换速度和节奏，表演非常放纵，人们给他起了个绰号：“疯子”；查里帕克是一名萨克管手，演奏风格也是放荡不羁。人们给他起了个绰号：“野马”。他们在演奏或演唱完乐曲之后，常常在结尾处加上一 些“劈劈啪啪”之类的声响和虚词。1945年，他们录制了一首名叫比-波普的乐曲。从此，人们把他们的爵士风格称作“比-波普”。而“波普”(POP)又有“流行”、“大众”的意思，用它也是恰到好处。扩展展阅读甜美爵士的基础是取材于一些时尚的流行曲。这些曲子速度一般都采用中速或慢速，旋律优美、动听。演奏的基本方法是：乐队先合奏一段引子，继而独奏者演奏一个短小的主题，然后其他乐器先后呼应，进行发展和变化。由于这些曲子曲调一般

28、都很甜美，故人们称之为甜美爵士。冷漠爵士则是更多地注重演奏技巧。这种爵士速度一般都较慢。曲调中多采用连续的切分节奏和乏力的音符，以突出忧郁的情调。在演奏现场，演奏者旁若无人，表情淡漠，更谈不上与听众沟通情感，尤其是用萨克管演奏，或用加有弱音器的小号演奏时，那冷漠的音色，更增添了人们凄凉、孤寂的情感。冷漠爵士的代表人物有迈尔斯戴维斯等。这三种风格的爵士相比起来，年轻人多喜欢比-波普；中老年人多喜欢甜美爵士，而多愁善感的人则喜欢冷漠爵士。3.摇滚乐摇滚乐特点：发泄、自由、叛逆。摇滚乐演奏乐器：四大件（电吉他、电贝司、电子琴、爵士鼓）。摇滚乐以演唱为主。从50年代起，摇摆乐逐渐衰落。少数几个人组成的

29、乐队又开始盛行起来。他们通常使用的乐器有钢琴、萨克管、小号、单簧管、长号及舞鼓等。自从电子琴、电吉他诞生以后，常用它们取代原有的一些乐器。这时，开始出现了摇滚乐。它和爵士乐、摇摆乐有着很近的亲缘关系。不同的是，爵士乐和摇摆乐多以演奏为主，只是少部分加有歌唱；而摇滚乐以演唱为主，伴奏乐器只起到辅助作用。扩展展阅读爵士乐和摇摆乐都产生在美国，而摇滚乐在美国和英国几乎是同时兴起的。1955年前后，在英国的利物浦市，先是出现一个由四个青年人自由组合的摇滚乐演唱组合，取名“蟋蟀”，并取得一些成功。不久，约翰列农(吉他手、歌手)、保罗麦卡特尼(键盘乐手)、乔治哈里森(吉他兼键盘乐手)和理查德斯达克(鼓手)

30、四个青年，也成立了一个流行歌曲演唱组合，针对“蟋蟀”演唱组，他们戏谑地给自己小组取名为“甲壳虫”。“甲壳虫”演唱组正式名字，英文叫Beatles Band，中文音译名叫“披头士乐队”。有趣的是“披头士”这个词倒用得恰到好处，因为它形象地概括了他们留着长发、穿着牛仔裤、休闲衣的颓废形象。而Beat这个词，原义的意思是拍、打，正说明了他们的摇滚演唱风格。“披头士”后来也成了这类形象的时尚青年的专用词。约翰列农还是一位和平战士，他强烈地反对不正义的战争，多次为和平静坐示威、奔走呼号。为此，英国女王伊丽莎白二世给他封了爵位，并授给披头士乐队全体成员“大英帝国勋章”。1967年之后，披头士乐队把主要精力

31、放在录唱片和拍电视上。1969年，列农与日本音乐家小野洋子结婚。婚后，他们到美国定居，披头士乐队也就移居到了美国。70年代初，由于他们四人产生意见分歧，决定解散乐队，分道扬镳。不幸的是，当列农1980年返回英国后，一天在街头散步时，竟被一名叫查普曼的，疯狂的崇拜者开枪打死。那一年，他才40岁。列农去世的消息传出之后，人们十分悲痛。在下葬的那一天，送葬者竟多达一百多万人，真成了人们心目中“精神之王”，胜过真正的国王。扩展展阅读披头士乐队的摇滚风格，在当时深深地影响了世界流行音乐的发展。直到今天，虽然歌星如云，精彩的流行乐队和摇滚乐组合不少，但对社会的影响，却没有人能超过他们。几乎是在列农组成“甲

32、壳虫”乐队的同时，美国也升起了一颗摇滚新星。他就是绰号叫“猫王”，被人们尊之为“美国摇滚乐之王”的普雷斯利。埃尔维斯普雷斯利(Elvis，19351977)出生在密西西比州图培洛的一个工人家庭，从小喜欢唱歌，童年时多次参加歌唱比赛，并多次获奖。1958年服兵役到了德国。1960年退役后，他繁忙地从事演出、拍电影和录唱片活动。1967年，他的一张金色的赞美诗专集唱片，荣获“格莱美奖”。1973年，他在檀香山举行个人演唱会，通过卫星向全世界转播了演出实况，成为流行音乐界前所未有的创举。普雷斯利的唱片发行量，创下了世界唱片发行量的记录，据统计超过了十亿张。他主演的影片多达三十四部，在西方埃尔维斯普雷

33、斯利成了青年人心目中的偶象。由于经常最后他只能靠吃安眠药才能入睡。渐渐地，他养成了酗酒、吸毒的恶习。1977年8月16日，他因心脏病突发去世。虽然“猫王”已辞世多年，但是，人们一直忘不了他。直至今日，仍有不少人打扮成他的模样：留着大鬓角、戴墨镜，穿着他生前常穿戴的服饰，唱着他的歌曲参加比赛。甚至有人还危言耸听地编造一些奇闻，说他没有死，只是隐退，由此可见他的影响了。与普雷斯利同时代和在他去世之后，美国、英国和欧洲流行乐坛上，还出现了一些有名的摇滚歌星，摇滚乐也形成了众多的流派。像滚石(Rock&Roll)、重金属(硬摇滚，Hard Rock)、慢摇滚(Slow Rock)、中康摇滚(Middl

34、e of the road Rock)、扩展展阅读浪荡摇滚(庞克摇滚，Punk Rock)、爵士摇滚(Jazz Rock)、拉丁摇滚(Latin Rock)等。它们的性质和内容各异，有的歌词关注人们的生活，反对现实中某些坏的和怪的现象；有的歌词文学性很强，诗意很浓；有的用音乐配带韵脚的朗诵词；有的采用声光相配合的手段，给舞台上造成扑朔迷离的虚幻效果，真是五花八门。他们都反对在音乐上保留传统。像滚石乐队就提出这样一种口号“滚石要超越贝多芬”(Roll over Beetheen)。4.乡村音乐这个名字是20世纪20年代在美国出现的，它的源流很广。那时歌曲的内容，除了表现劳动生活之外，厌恶孤寂的流

35、浪生活，向往温暖、安宁的家园，歌唱甜蜜的爱情以及失恋的痛苦等都有。在唱法上，起先多用民间本嗓演唱，形式多为独唱或小合唱，用吉他、班卓琴、口琴、小提琴伴奏。乡村音乐的曲调，一般都很流畅、动听，曲式结构也比较简单。多为歌谣体、二部曲式或三部曲式。在服饰上也比较随意，即使是参加大赛及音乐厅重要场合演出，也不必穿演出服，牛仔裤、休闲装、皮草帽、旅游鞋都可以。1925年，美国田纳西州纳西维尔建立了一家广播电台。他们开办了一个“往昔的歌剧老乡音”的专栏节目。邀请了一位名叫杰米汤普森的81岁的民间歌手演唱，节目受到听众们的热烈欢迎。从此，人们统称这种音乐为“乡村音乐”。乡村音乐成为美国劳动人民最喜爱的音乐形

36、式之一。在美国，“蓝领”指的是下层人，故这种音乐又称“蓝领音乐”。扩展展阅读纳西维尔电台自开办“往昔的歌剧老乡音”节目之后，延续数十年，成为该台传统名牌节目。而纳西维尔市也被公认为“美国乡村音乐的白宫”，所有乡村歌手都视之为“乡村音乐的圣地”。四五十年代，乡村音乐来到大的城市，受其他乐队的影响，加进了钢琴及其他乐器和电声扩音，那时人们把这种音乐叫做“纳什维尔”。由美国国家录音艺术学院举办的“格莱美奖”是其中最高奖项。乡村音乐的两个最重要的组成部分是弦乐伴奏(通常是吉他或是电吉他，还常常加上一把夏威夷吉他和小提琴)及歌手的声音。乡村音乐抛开了在流行乐中用得很广的“电子”声(效果器)。最重要的是，

37、歌手的嗓音是乡村音乐的标志(民间本嗓)，乡村音乐的歌手几乎总有美国南部的口音，至少会有乡村地区的口音。然而，与音乐本身同样重要的是音乐所包含的内容，而在这一点上，乡村音乐与流行乐、摇滚、说唱乐以及其他流派非常不一样。乡村音乐一般有八大主题：一、爱情；二、失恋；三、牛仔幽默；四、找乐；五、乡村生活方式；六、地区的骄傲；七、家庭；八、上帝与国家。前两个主题绝不是乡村音乐所独有的，但是后六大主题则把乡村音乐与其他的美国流行音乐流派区分开来。简而言之，乡村的人们有他们自己的幽默感；喜欢牛仔风格的疯玩；以一种与城市人很不同的方式生活；以自己所在的乡镇、州、地区为荣；极为重视家庭；不羞于表达宗教情感与爱国

38、情感。这些主题使乡村音乐有别于诸如小甜甜与N-Sync的音乐。扩展展阅读乡村音乐所包含的内容往往最吸引美国南部与西部乡村的白人。作为群体，乡村音乐的听众往往是农民和蓝领，他们生活通常比美国平均水平低点儿，在政治与社会问题上也更保守一点儿。5.迪斯科70年代，美国出现了一种唱片夜总会。这里伴舞用的音乐既不是爵士，也不是摇摆乐和摇滚乐，而是一种节奏强烈、单一为“蓬蓬蓬”的流行乐唱片，它的名字叫迪斯科。迪斯科不应算是流行音乐中的一个流派，而是对乐曲进行特殊的改编，不管是现代还是古典曲目，都可以编成Disco舞曲，它的重点放在了节奏和打击乐上。由于电声乐器和电子合成器的不断完善，一些乐手充分利用现代电声音响设备，将电子舞鼓，高、低音吉他等各种乐器与电子合成器进行技术性的编配和制作。使它们产生奇异、节奏强烈的音响。它给舞者尤其是青年人以极大的感官刺激，常常使他们产生不可抑制的狂热情绪。迪斯科音乐大多带唱，歌词简单，节拍是双拍子，曲调就那么几句来回反复，速度比进行曲略快，每分钟约为125拍左右。