浅谈戏曲动画片中声音二次创作的必要性论文.pdf

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1、浅谈戏曲动画片中声音二次创作的必要性论文 就目前动画制作中，声音成为一种动画的修饰手法，是不可缺少的一部分，声音与视觉相互融合，成为动画成功道路上不可多得的推动力。回顾以往的优秀动画作品，让观众驻足观赏流连忘返的不仅仅是人物角色的造型创作，其中的声音元素的独特设计也是让作品完美呈现的一大助力。不止是叙事电影、真实电影、舞台戏曲等一系列由真人演绎的表演艺术，在动画片中，语言的作用也同样重要。语言是创作者赋予人物角色的灵魂，人物角色通过语言建立起创作者同观众之间心灵、思想和感情的沟通桥梁。国产动画片目前的发展势头锐不可当，如果创作者能够注意到声音创作的重要性，而不是一味只关注视觉造型的创作，那么，

2、做出声画优秀的国产动画片指日可待。如果说剧本与角色的造型设计是创作与二次创作的关系，那么，作品的声音元素足以视为三次创作，这在各类影视作品中都有所体现，包括戏曲动画片。因为不同于其他表演性影视艺术，在戏曲动画片中，声音受到了在其他影视类别中不曾有过的约束与限制。从作品的本质上来看，种族、环境、社会、时代精神等都会影响创作，对戏曲动画的声音创作也会带来局限性;而从作品的受众来看，戏曲动画中的角色造型在尊重原作的情况下也要迎合观众的审美，包括人物的外貌特征、体态形象、以及性格特点等方面。总的来说，戏曲动画的声音创作要尽量寻找原作、受众审美、创作者自身设计三个方面的平衡点，方能满足戏曲从舞台到银幕转

3、化的需求。在戏曲动画中声音元素的处理与舞台及影视的表演艺术不同，表演艺术中人们对于声音元素的处理一般是根据传统的、原始的甚至是约定俗成的方式完成的。比如，在影视表演艺术中，演员情绪高昂的时候会语调高亢，掷地有声，节奏较快;情绪低沉的时候会语调沉郁，言之无力，节奏缓慢。但是戏曲动画的声音创作不光要还原传统戏曲中的唱念做打，还要牢牢地把握住这些不同的声音特质在特定情境下，对人物情绪变化的影响以及对观众的感染力的控制。1.粗放合成模式 中国戏曲文化的传承是永久和深远的，中国是戏曲文化大国，优秀的戏曲表演艺术家和成功的戏曲作品层出不穷，戏曲动画是在传统戏曲作品上的升华和创新，将传统的视觉和听觉元素融入

4、其中。但是传统的戏曲给观众的心底留下很深的烙印，所以目前市场上有一部分的戏曲动画创作时不敢或者不愿意去更改原先的戏曲元素，而声音元素就是其中一个。一些戏曲动画采取了生搬硬套的模式将戏曲的声音直接剪辑到动画作品上，仅仅满足了声画对位的要求，所以制作出来的戏曲动画作品既没有戏曲中的韵律，也缺少了动画配音中原本的夸张和诙谐。中央电视台的 快乐驿站用动漫的手法演绎中国经典幽默，但这种使用从某种程度上来说就是古诗配图的思维模式，是对比较经典的语言类作品的简单动漫化，不具备独立的动画作品的特征。目前，国内出现了一批给戏曲唱段配以画面的作品，这种简单的处理方法既没有为戏曲赢得青少年受众群体，也不为中老年戏曲

5、群体所接受。戏曲讲究的是韵味，动画讲究的是运动，一静一动，简单的诗配画的思维制作，必然会出现不可调和的现实问题。2.二度创作模式 戏曲演员在表演中最关键也是最基础的任务就是利用自身的素质条件来塑造戏曲中的角色，如何将角色演绎得鲜活、真实都需要演员的塑造。有声语言是配音演员在作品中更好地塑造角色的重要手段，在塑造过程中会根据配音演员自身的感觉和对剧本的理解来对原有的戏曲音调进行再创作。所谓“二度创作”，是指以原有的艺术创作为基础再创作。从表演艺术来说，作家创作出剧本是为最原始的创作，导演利用剧本对演员的表演进行约束和指导，演员也要围绕着整个剧本来进行表演。而演员通过对剧本的了解对原剧本进行第二次

6、创作，是为了将原剧本中真实鲜明的艺术形象更完美地再现出来。戏曲动画的声音是以传统戏曲原声和人物唱腔为基础和准则下的再创作，从过程和进度来看，戏曲动画的声音创作要在传统剧本和演员演绎之后再创作。文字剧本基本是由人物角色的对白和独白组成，这是传统戏曲声音的文字依据。动画声音的创作是不光需要看到传统戏曲表演艺术家的表演方式和文字剧本中对角色形象的描述，还有动画角色的塑造和理解。剧本文字、戏曲演员的演绎和动画角色的三重约束是戏曲动画声音创作的重中之重，对于戏曲动画声音的创作者来说，需要具有很强的理解能力和对剧本的感悟能力，才能对剧本中的角色和剧情有所了解和感受，才能体会传统戏曲表演艺术家们对传统作品的

7、奉献。1.以人物角色为本 在戏曲动画中，创作者需要通过视听感觉器官，刺激大脑皮层，调动神经系统管辖下的肢体感官系统，将在原始戏曲作品中感受到的思想、精神、文化、社会认知等等，利用动画科技元素完整传神地再次创作表现出来。在设计戏曲动画时，首先创作者应当重视与角色的第一次“见面”。在舞台戏曲中，戏曲表演艺术家相当于戏曲的二次创作者，其对作品及角色的初步认知是直接形象、鲜明活泼的，这些缺乏理性分析色彩的感知往往会一直影响伴随着戏曲表演艺术家的表演创作。同样，动画创作者初次对戏曲剧本的理解分析也会影响其动画的再次创作，所以在初步研读剧本与角色时，捕捉感官上一闪而逝的感性色彩，对设计者之后在人物形象设计

8、上的丰满与充实有很大帮助。但是如果要真正客观地认识人物角色，仅仅通过这些感官认知是做不到的。动画创作者要通过研学剧本、现场听戏、与戏曲表演艺术家交流等，进行大量的比对积累，在舞台与生活中寻找塑造角色的原始材料，确定戏曲动画中声光色的创作方向。其次，一个作品的时代背景对于剧中人物有着重要的影响力，“时代背景是人物生存的总的环境，它包括人物所生活的时代中历史、政治、经济、社会、哲学、道德、心理、风俗等方面因素在内。”因为人物形象的形成，其中思想、情感、行为和表现力，基于当时的社会背景、文化教育等，_不受到影响和约束。再次，通过分析人物的行为思想表现，由表及里，循序渐进地剖析角色。人物的行为动作、性

9、格呈现都是心之所致，只有读懂了人物表层的表演，才能在有限的信息中准确地抓住人物角色所要呈现的本质内涵。2.以表演风格和唱腔为借鉴 为了让角色设计更具有吸引力，戏曲动画的创作者在忠实原作与自身创新之间需要努力寻找一个平衡点，原作品中戏曲演员的表现力是其创作的重要借鉴点之一。而在作为舞台戏曲作品的观众与戏曲动画的创作者两重身份之下，创作者在创作时的思想风格必定是努力向角色靠近的。一方面是其作为观众在观看时对人物表演风格和唱念做打的理解，另一方面是其作为动画创作者时对人物赋予的鲜活的生命力。二者分别从戏曲演员和动画创作者出发，行走于舞台戏曲到戏曲动画的康庄大道上，最终汇聚于某一点最大程度地表现角色。

10、在传统戏曲中，人物角色或多或少不可避免会带有演员本身的性格特点，所以客观地观察演员的表演，寻找舞台演员创作时对角色表现不足的地方，客观理性地对角色再研究，这是声画语言艺术的再创造与舞台艺术能否吻合的关键。在配音方面，与国外迪士尼歌舞剧式动画相比，国内戏曲动画的配音一般还处在作品的后期加工方面。因为在声音表现手法上，歌舞剧和戏曲有很大的差别之处，歌舞剧式动画与动画电影相似，演员的声音是靠胸腔腹腔共鸣发音，而在戏曲动画中，演员的配音主要靠鼻翼脑腔共鸣，这就需要导演的调度来实现声音的转化。3.从戏曲作品的本质出发 舞台戏曲艺术语言创作所呈现的美，在语言的风格内容、文化情愫及其背后的社会道德环境中都有

11、着不同程度的体现，反映了它对当下时代、环境、文化、背景的态度及思想，而不仅仅只是传递声音元素。戏曲动画声音创作正是通过调动自己感性与理性的见解，主观与客观的分析，利用计算机科技手段，诚心诚意地还原角色本身的面貌，赋予了其更高层次的美。艺术源于生活却又高于生活，艺术就是对生活的浓缩与提炼，是人有了行为能力有了思想之后，对生活有所感悟和体会，在头脑中加以提炼纯化，从而汇聚成艺术成果。在戏曲艺术中，每一个人物形象和事物的表现既传神自然又有其特定的意义，要想由表及里地看清它、认识它，就必须一步步地走向它，调动全身的细胞触摸它、感受它，反馈给大脑加以思考，唤醒内心认真与之对话，从而获得最直观最原始最真实

12、的感受。于此，人体的记忆细胞中才会留下磨灭不掉的痕迹，由戏曲到动画的转化路径才会真正被创作者所掌握创新。戏曲艺术是一种综合性的艺术，创作者的头脑风暴十分重要，创作者在不断增强认识事物能力的同时，也要增强对自身能力的控制。创作者生活的环境、社会、种族、文化以及其人生观、世界观、价值观及其对宇宙、对自然、对人类、对社会、对人的思想行为等的认知能力、思考程度，对戏曲作品的本质有着举足轻重的影响。作品的本质取决于创作者的综合能力，而能力的运用又取决于创作者的思想空间。正如丹纳在 艺术哲学中所说：“每个形势产生一种精神状态，接着产生一批与精神状态相适应的艺术品”。1.对于作品来说更有韵味 中国戏曲萌芽于

13、先秦时期，历史古老悠久、深远绵长，要想把它传神地搬上银幕舞台，生搬硬套肯定是不行的，动画创作者必须仔细剖析原作品的艺术内涵与精神思想，加以自己的理解解说，让同一种艺术以不同的表现方式呈现在观众眼前。创作者不仅要站在原作品的角度去思考，还要站在戏曲动画观众的角度去思考，怎样诠释原意，怎样吸引观众，怎样在尊重原作的情况下体现创造性的表现，这都是戏曲创作者需要考虑的问题。戏曲动画二次创作的主要目的就是将舞台的艺术再现于银幕之上，通过科技力量注入戏曲新的灵魂和生命力。创作者的情感、思想与原作的理念相结合，却又呈现出不同的结构形态，在其生动再现原作的同时，对原作的生命力加以新的诠释。2.对于观众来说更有

14、感染力 在 电影艺术词典中，将影视中的声音分为广义和狭义两种类型。广义上的声音是指，在影视作品的后期制作过程中对任何声音要素进行处理加工的艺术创作活动，如音乐的选配、动效的制作、解说和台词的录制等。狭义上的声音是指，在影视作品中专门为对白、独白、内心独白、解说和旁白等语言的后期配制而进行的一系列创作活动。戏曲动画中声音的两种类型和其他影视作品或者普通动画有所不同，拿传统戏曲和影视艺术的声音做比较，狭义上声音好比戏曲演员的唱腔说词，而广义上的声音是指戏曲中的用乐器演奏出来的伴奏，传统戏曲中配音的广义和狭义之分没有像影视那样区别之大，戏曲艺术家们的唱腔与乐器的伴奏相混合，在传唱和传播的过程中唱腔和

15、伴奏是一体的。但是如果我们在制作戏曲动画过程中，对配音的要求过低或者一味地将戏曲音乐强行套用的话，第一会对原本的戏曲音乐造成视听上的影响，第二会破坏动画作品本身的节奏感，让观众既感受不到戏曲音乐所带来的听觉享受，也降低了视觉上应有的效果。戏曲动画的声音创作是有声语言创作活动，是“说”的艺术。在戏曲动画中，不同于舞台表演艺术，演员角色的唱念做打、手眼身法步不能像在台上一样表现的淋漓尽致，这时，声音元素占主导地位。演员在舞台上眼神与唱词所表现出的情感统一，此时也要靠戏曲动画的二次创作来展现。相当于创作者在原作中继承了一副骨骼，而其中的血肉与细胞却需要二次创作，由此，创作者的文化背景、阅历经验和自身

16、修养等显得尤为重要。戏曲动画的声音创作者需要对传统戏曲文化有深刻的了解才能创作出更好的作品，同时对自身的提高和传统文化的传播也有很大的帮助。本文通过对戏曲动画中声音的二次创作必要性研究，可以清楚地发现戏曲动画中声音的设计不能照搬硬套，需要在原有作品的基础上再度创作，制作出符合戏曲动画的声音作品。在中国动画的创新和改进过程中，配音艺术的改进打破了以往配音元素不重要的观念，已然成为优秀动画所必须跨越的障碍，也必定成为衡量所有的优秀动画片的最重要的标准之一。声音的创作和画面镜头的创作是对新型动画制作者一种新的考验，因此需要打破旧的观念正确面对声音的再创作，充分发挥想象力和创造力，如此才能创作出优秀的戏曲动画作品。内容仅供参考