绘画与平面设计.docx

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1、绘画与平面设计差异性对绘画与平面设计以下简称设计，感受最深的莫过于平面设计师了。 设计师不但需要具备绘画的根本造型技能与审美意识，更需要具备对形式美法则的特别理解和制造性的意念。出于职业的因素，对绘画与平面设计的异同性， 一种人认为，只要有绘画的造型功夫，设计便不成问题；而另一种人则认为，设计就是设计，有绘画的造型功底不见得就懂设计。 持前一种观点的人多为美术院校的师生，而持后一种观点的人则一般为职业设计师。 本文就此话题谈几点看法，欲起到抛砖引玉的作用。1. 现代绘画是共性的表露绘画的意义在于创，而创只有通过“共性化”才能够得以实现，重复的绘画没有生命力。回忆绘画进展史就会觉察，无论中国还是

2、西方，每一位出色的大师都曾经制造过极端共性化的作 品。每一位巨匠都具有自己的典型特征。 画家，尤其是现代派画家，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在共性化上。通过作者对美的形式法则的特别理解而存在着。任何一个宏大的画家， 都会有自己独特的审美共性。画家必需把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。这方面，梵高无疑最具典型的代表意义。梵高于他生前极其困难的条件下所制造出的大量共性化作品从未卖掉过， 就是由于其作品的极端“共性化”，以致不能被人们所承受。现代绘画共性化的表现还表达在五花八门的创手法上。当今的世界正走向一个信息高度发 达的社会

3、，如何反映这一时代特征，是每一个前卫艺术家思考的问题。在西方艺术表现形式日趋 简单多样的今日，架上绘画似乎处于一种低迷的状态。前卫艺术家们为了表现具有共性的独创性， 往往将一些不同种类的艺术式样相结合，以完成自己的艺术创作。这些光怪陆离的所谓“共性” 的艺术品在现代艺术展中司空见惯，艺术家们完全不必考虑观众能否承受，而只表现自己的创。2. 依附性是现代设计在商品经济中的本质反映设计与绘画最大的区分在于其对商品的依附性上。设计作为商品在为市场效劳时必需具备 “包装”价值与“使用”价值。要想赢得客户的信任与满足，最终实现设计的价值，就必需通过市场竞争的考验，设计得成功与否在于它能否通过美化产品而最

4、终实现促销的日的。现实中几乎每一位设计师在为客户供给设计效劳时， 都会尽量去迎合和满足客户的需要。一方面设计师必需站在客户的角度去揣摩他们的心理，以使自己的设计方案得以通过。另一方面， 客户可能对市场的把握了解远赛过设计师， 设计师不得不听从客户对他提出的要求。 在设计的过程中，设计师绞尽脑汁去思考去解释自己的作品，或许自己认为很满足了， 但最终的评判还是客户对其设计能否通过。在这里有一种情形可以确定， 那就是被客户选中的未必就是“好作品” ，而未通过的设计不肯定就是“坏作品”。我们常常可以遇到这样的状况，设计师为某一设计出了一组方案，对其中的某个方案很满足，而客户往往选中的却是设计师自认为“

5、陪衬” 的方案，最终的裁决权固然是客户。设计师只有屈从于他们的“上帝”，这就是市场。设计对商品的依附性还表达在“市场”是设计的指挥棒。市场的强劲与疲软将直接影响设计行业的起伏。如 1991 年海湾战斗爆发之初，欧洲主要工业化国家的生产过剩，消费匮乏，市场处于严峻的经济萧条状态，生产停滞不前。荷兰的顿巴设计公司上门为一些厂家效劳时得到的答复是：“经济不景气我们临时不需要设计，现有的设计就足够了”。还有另一种状况是，当市场上某种产品在卖方市场状态，产品供不应求，厂家对“设计”也会不屑一顾。3. 对混浊美的追来是绘画艺术的本质表达绘画与设计的区分不仅仅表达任“共性化”与“依附性”方面，还表达在对形式

6、美规律追求的差异性上。“混沌”一词是“指宇宙形成以前模糊一团的景象”。中国人宠爱含蓄，认为“含蓄”就是美。“混沌”本身就表达着一种不确定的耐人寻味的特征，这和中国的古哲学与宗教有关。中国古典绘画所表现的“空灵”、“气韵”，以及“墨分五色”，用有限的笔墨表现无限的意境等美学思想，都在于这种“混沌”之美。这些手法在设计中也间或能见到， 但一般来说仅是借用绘画的表现手法， 以增加设计的艺术性而已。它们不是设计的最终目的。我们从杉浦康公平大师的作品中就可以体会出这一点。具体 来说：杉浦康平为敦煌设计的系列从书，从外表上他是在追求中国画“空灵”、“气韵”之境地， 而更深刻的是他把敦煌中的图形元素，运用现

7、代设计的根本构造原理加以组合。 这种“空灵”混沌美的境地只是作为设计的一种手段而不是目的。期望最终能真正反映出这套系列丛书的内涵。 这充分表示出大师的独具匠心和对绘画与设计关系的把握上。在西洋绘画方面，虽然流派众多，形式各异，但整体精神同样是在追求“混沌美”。古典油画尽管形态表现得细致、逼真，但其意境追求的则是浅显悠远，觉察出不确定的“混沌美”。而现代派追求的则是标立异，追求的是超现实荒唐的不确定性。 米罗追求的是童趣的海底世界般的梦幻，表达着不确定的“混沌美”，柏洛克则拎着颜料桶在画布上滴洒而不拘一格，他似乎是更接近在追求着“宇宙形成以前模糊一团的景象”。绘画对“混沌美”的追求还表达在对材料

8、肌理的选择上。何种题材何种效果， 需要何种肌理是绘画追求混沌美的表现之一。绘画，尤其是现代绘画，在一幅作品中选择综合材料已到了随心所欲的境地，多种材料的运用旨在加强画面的“混沌美” 的效果，通过扑朔迷离不确定的材质肌理的运用，以到达变化多端的目的。4. 秩序美是平面设计的核心表达设计不同于绘画还表达在对秩序美的追求上， 现代设计对实体的进一步把握是形式法则。 形式是实体的具体化、丰富化、准确化。可以看出德漠克得特以原子构造来解释宇宙实体的内在形式，毕达哥拉斯派则以数理描述宇宙实体的外在形式，他们从天空星辰的布局中悟出了点、线、面的几何关系，从而把数推为宇宙的本体“宇宙”这个词在古希腊就包含着和

9、谐、数量、秩序等意义。在设计方面，数对设计的影响，远的不说，仅从近代有关设计的理论，对平面设计的奉献就可以看出它的重要性。如瑞士设计家约翰契肖德所制造的数字规律形体设计在书籍设计中的运用。再如设计家罗尔罗塞利奥对哥特式内页边缘数值比例的觉察， 即著名的九段划分法，他求出了开本宽度尺寸的一个 19 作为内边，两个 19 作为外边，开本宽度尺寸的一个 19 作为天头，两个 19 作为地脚的规律。而在 1946 年，方德格拉夫依据罗尔罗塞利奥的九段划分法，求边缘的比例图，觉察了用几何计算的简洁方法取代九段划分法， 这种方法被称为“蛇瓜式划分法”。在现代设计史上对 20 世纪影响最大的代表人物是勒科布

10、歇。他运用建筑学的根本理论依据人体比例进展黄金分割，被称为模数设计体系。模数最初对于建筑形式有着重要的奉献，后来被运用到平面设计中。模数理论的根本原理就是对太阳神的肚脐、 头顶和伸直手臂的指尖进展分割。之后勒科布歇将之变为 44 个长方形进展空间分割。模数体系的核心，就是试图利用人们对级数变化心理反响所产生的秩序美进展设计。 在勒科布歇制造模数之后，欧洲各国设计师纷纷运用这一设计原理并将之进一步推动， 最终形成了网格设计的理论体系。网格设计体系把几例分析法和数在平面设计中的运用提升到了空前的高度，其特征是重视比例感、秩序感、连续感、清楚感。总之，它是以理性的数理为根底的形式法则在平面设计中的运

11、用。从上述的例证来看，设计的美感表达在有秩序的数理的韵律上，这点与绘画有着本质的不同。5. 平面设计的独立性表达在版式编排和字体形态上绘画是以图的形态传达着信息， 一幅好的绘画作品可以浓缩巨大的信息内容， 是文字高度浓缩的载体，在某些场合它可以代替或补充文字的缺乏。 虽然如此，由于绘画与文字传播的功能存在着较大的差异，绘画作为单独的艺术形式其画面不存在文字的说明。 既然绘画艺术可以无文字表述消灭，故此它也就不存在版式编排问题。而设计无论是作为独立的艺术形式， 还是特地为某种产品效劳， 都必需有文字的说明。只有通过文字形态的存在，其自身价值才能够得以充分表达。现代平面设计作为版面设计 typog

12、ra phy有两种意义上的版式编排：一种是图形与文字的结合，另一种是纯粹文字间的自由组合。 这两种形式均可称为版式设计。但无论哪一种形式的版式设计都离不开文字的存在。 一方面版式编排需文字组成，另一方面文字本身形态的差异也丰富了版式编排的多样性。从世界范围来看，各国各民族文字其形态演化的过程都来源于“画图记事”，与图相联系。假设把这种“图形”称之为“绘画”的话，那么文字和绘画在他们幼年时代本是同根同源。但从现代设计的角度或世界文明史的进程来看这一问题，就会觉察文字的形态特征明显已完全抽象地 “独立”于“绘画”了。此外，在近一个世纪的现代设计进展历程中，前辈设计师们在实践中总 结出了一系列版式编

13、排的形式法则，构成了现代设计的根底理论， 如：比例、力场、中心、方向、对称、均衡、韵律、比照、分割等，以及黄金分割在设计中的运用，德国标准比例、动力对称学 说、草席形、立体派风格、螺旋形、模数等等都集中表达了平面设计的独特语言。而影响版式编 排艺术性的“字体形态”已渐渐进展成为的设计学科。 从本世纪初至今，西方很多兴旺国家相继成立了字体设计公司并在高等学校开办了字体设计学科。 亚洲的日本、韩国等也没有相应的机构。由此可见，设计有别于绘画是独立于绘画而具有时代特征的特地学科。6. 绘画与设计的差异性表达在各自的实现方式上由于绘画与设计存在着巨大的功能上的差异性， 同时，在工艺制作的实现方式上也就

14、存在着本质的区分。绘画虽然是一门艺术，但在制作过程中技术的成份占有相当大的比重。 假设说绘画在艺术的前提下，是一个运用观念手段的制造过程， 那么绘画在其技术中所包含的材料、技巧等一系列因素则是完成和实现这种制造性思维的最重要的手段。前文中曾提到的绘画是个体劳动并突出表现“共性”的单一行为。 因此，这就打算了某一绘画作品，确定不能重复消灭，并且呈现给观众的必需是“手工”制作的真实的肌理材料。如油画， 是用以油为结合剂的油性颜料画在布面或其它材料上。 国画则以笔、墨、宣纸、帛以及水溶性颜料为主要肌理特征。而作为设计，其产生和进展都由“商业”行为而来，是随着商品经济的剧烈竞争而消灭的。它的目的是为整

15、个市场效劳， 具有显著的商品特征。在其“实现”方式上必定是在脑力劳动与机器大生产相结合的物化过程。在过去近一个多世纪的进展历程中， 设计从来都是以机器印刷的方式来证明自己的价值。它从未脱离过大机器生产而独立存在。 即使是在国际各种设计竞赛中， 设计作品的机器生产工艺水平也是评判的重要着眼点。 现今时代变了，科技又有了长足的进步， 电脑的产生无疑给设计业带来革命性的变化。设计作品的“生产”方式更加表达了机器的智能化、工业化和系列化，越来越显示出“机器”的重要性。因此作为一个设计师不仅应懂得设计还要懂得机器的印刷功能，印刷装订工艺，甚至还要懂得在何种状态下， 机器墨色套排序列会对作品产生什么样的效果，纸张的品牌、种类、性能将会影响设计作品的怎样质量。综上所述，绘画与现代平面设计有着巨大的差异。二者之间的关系属于两个不同性质行业之间的关系是有用性与赏识性的关系； 是多层次、多社会性的理性思考与情感宣泄， 表现共性才气的关系；是表达工业化的生产技术水平与个体艺术者之手工技巧的关系虽然本文在此强调了二者之间的差异性， 但并不否认二者之间的联系性。如：早期绘画与设计的起源、艺术规律的相像性，设计必需具有绘画审美意识的根本特征，等等。我们只有正确地把握绘画与设计的异同， 把握其中的奇特，理解二者的共性与共性， 才算对这一问题有了客观深刻的科学生疏。